martes, 14 de agosto de 2018

SECRETS D'ANIMATEUR, el librazo de Julia Peguet

Desde Francia, y gracias a la editorial Pyramyd, nos llega Secrets d'Animateur, el libro en el que la animadora Julia Peguet cuenta todo, absolutamente todo, lo que un animador amateur necesita saber para meterse de lleno a tirar los miles de frames que le harán convertirse en un profesional de la técnica stop-motion.
Peguet es una de las principales animadoras de nuestra adorada Aardman, empresa que ha confiado en sus manos para dar vida a la oveja Shaun, al Pirata Capitán, a Gromit, a Purple & Brown e incluso a Dug, el cavernícola protagonista de la última epopeya plastilinosa del estudio. Doce años de profesión que ahora traslada a un libro de gran formato.
Dentro de sus tapas blandas encontraremos un libro de conocimientos básicos (los 12 principios de la animación, los arcos, el timing, cómo sujetar un muñeco al set,...), consejos valiosos (cómo crear efectos especiales sin usar ordenador, cómo transmitir emociones a través de un humanoide de plastilina de 30 cm de altura,...) y ejercicios tras cada lección (con las respuestas al final, claro).
Cientos de fotos, esquemas e ilustraciones copan sus 240 páginas, impresas a todo color en un papel de gramaje considerable. En definitiva, una apuesta editorial que no puede faltar en la biblioteca de cualquier animador stop-motion en potencia. -PVP: 39 €- 

sábado, 11 de agosto de 2018

GOD I NEED A GIRLFRIEND (Stefan Janoski, EEUU, 2018)

Convertirse en Staff Pick de Vimeo no es tarea sencilla, pero mucho menos lo es ser el vídeo premiere de la semana, algo que el escultor californiano Stefan Janoski consiguió hace tres días con un cortometraje de animación stop-motion. 

Aunque su obra ha estado expuesta en galerías de arte de lugares tan emblemáticos como Londres, Nueva York, Hong Kong, Kansas City o Encinitas (California), Janoski no ha dejado que su creatividad quedase embebida en una vitrina. Muestra de ello es que tras crear la escultura de bronce God I need a Girlfriend se puso en contacto con el estudio Movie Mountain para llevar la historia de la figura estática a la cuarta dimensión. Cuatro meses de trabajo bajo la dirección de Foster Huntington dieron como resultado una preciosa obra de tres minutos de atmósfera agobiante, incluso por momentos desagradable, pero cuidada hasta el más mínimo detalle.


Dirigido por: Foster Huntington
Producido por: Stefan Janoski y Jessica Janoski
Historia: Stefan Janoski
Construcción de escenarios: Kai Korsmo, Shelby Menzel, Matt Emmons, Tim Yates, Alexa Shreck, Tim Huntington y Stefan Janoski
Construcción de puppets: Stefan Janoski, Kai Korsmo, Matt Emmons y Mattzilla Duron
Animación: Jeremy Murphy 
Director de fotografía y edición: Matt Emmons




jueves, 9 de agosto de 2018

EL SUEÑO (más bien la pesadilla) DE PINGU (1990)

Durante la primera temporada de la mítica serie infantil de animación en plastilina Pingu, el director y creador de la misma Otmar Gutmann (Alemania, 24 de abril de 1937 - Suiza, 13 de octubre de 1993) dio rienda suelta a su imaginación sin autoimponerse las barreras de la corrección política, a través de escenas en las que se hacían referencias claras al alcoholismo, a la incontinencia urinaria, e incluso a la violencia. Aquello le llevó a que la serie se encontrara con la censura en algunos países como Inglaterra o Estados Unidos -los fragmentos, por suerte, fueron guardados y rescatados en posteriores ediciones en DVD-. Esa libertad con la que trabajaba Gutmann dio pie a crear algunos monstruos bastante malrolleros.
Los primeros seres que pondrían nerviosos a la censura encargada de la programación infantil llegaría con el capítulo 14, Pingu Runs Away (Pingu se escapa); unas inquietantes figuras terroríficas con las que la noche helada daba un escarmiento al protagonista por huir de su casa.

Algo absolutamente chorra para lo que le esperaba a Pingu en la última aventura de la primera temporada. En aquel capítulo 26, titulado Pingu's Dream (El sueño de Pingu), el famoso pingüino se mete en la cama y empieza a soñar. Su iglú empieza a tambalearse, hasta que de pronto desaparece y se ve, sobre su cama, en medio de la planicie helada. En un claro homenaje al Little Nemo in Slumberland de Winsor McCay, Pingu se transporta sobre su somier de cuatro patas hasta que de pronto aparece una enorme morsa. Por desgracia, la voracidad del mamífero no se ve satisfecha con la ingesta del colchón, que engulle cual barrita de chocolate; actor seguido perseguirá a un Pingu que se despertará de la pesadilla en el momento de mayor tensión narrativa.



Esta figura, algo inconexa con respecto al diseño y apariencia plastilenoide del resto de personajes de la serie, apareció anteriormente en tests animados realizadas por Guttman -tal y como se demuestra en el segundo 42 de esta fascinante reel:

martes, 7 de agosto de 2018

The Primevals, la joya perdida de Dave Allen, se estrenará en 2019

A finales los sesenta el animador stop-motion Dave W. Allen, que se convertiría en las tres décadas siguientes en el responsable de gran parte de aquellas alucinantes animaciones de monstruos que poblaban las películas de terror y ciencia ficción (normalmente de corte B), tuvo la idea de desarrollar una aventura fantástica con la siguiente sinopsis:

En la I Guerra Mundial, tras un bombardeo en Londres, un grupo de prisioneros aliados se embarcan en un zeppelín hacia Groenlandia, pero lejos de lo esperado encuentran una tierra tropical entre las heladas tierras árticas. Uno de los hombres del grupo decide salir a explorar en un aeroplano que forma parte del zeppelín, pero es atacado por unos pterodáctilos que logran estrellar la avioneta contra el suelo. El resto del grupo conseguirá aterrizar en esta extraña tierra y se encontrarán con que es habitada por guerreros vikingos y malvados hombres-lagarto.
Dave Allen y uno de los hombres-lagarto.
Este proyecto, titulado Raiders of the Stone Rings, no acabaría por encontrar un inversor interesado, pero Dave Allen siguió trabajando en él en los tiempos libres que le dejaban sus contribuciones a films como When Dinosaurs Ruled the Earth (Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, 1970) o The Crater Lake Monster (El monstruo del lago, 1977), creando algunas maquetas y modificando el guion -básicamente eliminando al zeppelín, a los vikingos y a los pterodáctilos y añadiendo a un grupo de cavernícolas, robots controlados por los hombres-largato y a un enorme y peludo Yeti, algo que a todas luces surgió como homenaje al King Kong de 1933, su película favorita de todos los tiempos-. Su título sería modificado hasta quedar en el definitivo The Primevals.

Esta vez Allen si encontró un par de interesados: Albert y Charles Band, padre e hijo jefazos de la productora Empire y de la posterior Full Moon. Sin embargo el acuerdo de producción del film establecía que primeramente Allen debía trabajar como creador de efectos visuales en varias películas de las productoras de los Band.
Dave Allen animando al Yeti
Los años pasaron entre obras mediocres, aunque de efectos especiales alucinantes, como Robot Jox (1989) o Doctor Mordrid (1992), antecedentes directos de las modernas Pacific Rim y Doctor Extraño -respectivamente-, hasta que en el año 1994 se dio luz verde al proyecto; rodándose a continuación las tomas con actores en un pueblo cercano a los Cárpatos, en Rumanía. Sin embargo, a la vuelta del rodaje la producción se vio truncada por problemas económicos en Full Moon; siendo retomada dos años después con un presupuesto para los efectos especiales totalmente ridículo.

Aun así a Dave Allen le dio igual y siguió trabajando en sus ratos libres en las escenas animadas, ayudado por Chris Endicott y Kent Burton, llegando a realizar un total de 200 tomas antes de verse envuelto en el diagnóstico de un cáncer que acabaría con su vida en 1999. El trabajo de efectos especiales no fue suficiente para terminar el enorme trabajo de tantos años, y el proyecto acabó perdido en un cajón del despacho de Band... 
David Allen, el actor Kevin Mangold y el artista de efectos especiales Jeff Farley 
Hasta hoy.

La pasada semana, en la Flashback Weekend de Chicago, Charles Band anunció que estaba trabajando para terminar la película y estrenarla, por fin, el próximo 2019. No queda claro, ni en los anuncios que se mueven por las webs ni en las redes sociales, si finalmente harán un montaje con todo lo rodado en los noventa o si se realizarán las secuencias de animación que quedaron inconclusas; pero sea como sea es una noticia que muchos seguidores del trabajo de David Allen llevábamos años esperando. 
Póster promocional de The Primevals

lunes, 6 de agosto de 2018

TRUS (El cobarde, María Mouat, 1980)

Una de las mejores realizadoras de muñecos de la URSS fue María Mouat (Moscú, 10 de septiembre de 1951), en cuya primera obra como directora de un trabajo autoral -antes de este había colaborado en la dirección de una serie protagonizada por un hombre chiquitín y barbudo llamado Dyadyushka Au (Tío Au)- ya se ven las dotes de maestría técnica y emocional que le acompañarían durante todos sus días de trabajo posteriores en los estudios Ekran, Soyuzmultfilm, Animouse y Pchela.

Disfruten ustedes de Trus (El cobarde, 1980), film en el que una familia de diablillos se dedican a putear a un humano que logrará darles su merecido con más suerte que valentía.

domingo, 5 de agosto de 2018

ENCARNA (Sam, España, 2003)

Se cumplen 15 años del cortometraje que supuso el pistoletazo de salida de Conflictivos Productions, la productora del valenciano Sam -recientemente homenajeado en el festival brasileño Animamundi por una carrera llena de plastilina, gore y muchas mujeres de armas tomar-.

Encarna es un ama de casa resignada a seguir con su vida monótona. Al ver que nadie comprende sus problemas, pierde los papeles, y en un ataque de nervios se transforma en una mujer despiadada y peligrosa en busca de venganza.
Sinopsis de Filmaffinity.



Entre los proyectos en formato libro que nos han ido rondando por la cabeza, en el hoy algo lejano 2010 estuvo el realizar un recorrido histórico de la animación stop-motion realizada en España, motivo por el cual entrevistamos a unos cuantos realizadores de nuestras fronteras. Entre los "afortunados" estuvo Sam, a quien le preguntamos por este canto feminista a golpe de kalashnikov:

¿Barajaste otros nombres para este corto en un principio?

No, me salio a la primera, Encarna, encarnizada…era perfecto, por desgracia ningún otro nombre en mis cortos posteriores a sido tan fácil.

Todos los personajes están muy logrados, siendo impresionantes el marido torero y el vidente, la viva imagen en plastilina de Carlos Jesús, con su talismán para tener los pechos turgentes. ¿En quiénes te basaste para diseñar los personajes? 

Están casi todos inspirados en mi propia familia, mas o menos caricaturizados, en cuanto a su aspecto físico, solo busque que fuesen muy sencillos, sabia que no teníamos tiempo para florituras, asi que todo es tremendamente esquemático. 

Por cierto, la madre de Encarna no tiene ni un solo plano en pantalla, es un personaje en la sombra a quien solo oímos la voz (generada de tu garganta), lo que hace que el espectador se genere una imagen por si mismo. ¿Lo planeaste así desde el principio? 

No, la verdad es que iba a parecer, pero se me ocurrió que si solo oíamos la voz, sin ver la fragilidad de una persona mayor, seria mas fácil que el espectador no simpatizase con ella, yo sabia que la íbamos a matar, además así me ahorraba un muñeco.

Agradecimientos: Metallica, O´funkillo. Sonaron mucho durante el rodaje, ¿supongo bien? 

En todos mis cortos hay agradecimientos a algún grupo musical, y si, suele ser el que mas he escuchado durante el rodaje, la música me ayuda a pillar ritmo, en el caso de Encarna, no teníamos mucho tiempo así que la música elegida tenia que ser rapidita y que mejor que Metallica, en cuanto a O´funkillo, me encanto su primer álbum. 

El tema del atrezzo cobra una relevancia importante ya desde esta primera obra tuya como director, lo que sin duda es una constante que se eleva al cuadrado en cada nuevo proyecto de Conflictivos. ¿Piensas qué el atrezzo es esencial para meter al espectador más en la película? 

Por supuesto, el atrezzo ayuda a entender el significado y la psicología de los personajes.

sábado, 4 de agosto de 2018

Chemicals - Parker Bossley (Joseph Wallace, 2018)

El director inglés Joseph Wallace, nominado a un Bafta galés y al que entrevistamos hace unos meses cuando dio a luz el videoclip Edith Piaf de la banda Sparks, ha estrenado nuevo vídeo musical -se ve que le ha cogido el gustillo- que esta semana pasada se ha convertido en Staff Pick de vimeo.
Chemicals de Parker Bossley es un tema potente para el que Wallace implementa una animación de recortables atractiva, que recuerda por momentos al trabajo como animador de Terry Gilliam e incluso a ese loco cortometraje de recortes titulado Fast Film. Secuencias de aventura animal se suceden hasta llegar a un clímax psicodélico digno del mejor tripi, sin dejarnos consecuencias negativas en el organismo más allá del mono por ver la siguiente obra de este joven director.



Dirigido por: Joseph Wallace
Animaación y collages: Joseph Wallace & Marie Lechevallier
Directores de fotografía: Ronnie Lee Hill y Parker Bossley
Producido por: Cardel
Filmado en: Hangar Puppet Animation Studio (Bristol, Reino Unido)

Web del realizador: http://www.josephwallace.co.uk/
Web de la animadora: https://www.marielechevallie

Entrevista con director acerca de este videoclip: 
Sistema multiplano para el rodaje en cenital del videoclip. 

viernes, 3 de agosto de 2018

SCHODY (Las escaleras, Stefan Schabenbeck, 1969)

Este es el film más alucinante de Stefan Schabenbeck (Zakopane, Polonia, 1940), pues mediante un tono sobrio y una animación en plastilina simple, pero efectiva, consigue que nos entretengamos y le demos al coco. Para Giannalberto Bendazzi, el gran experto internacional en cine animado, el director trata de hacernos ver que "la grandeza humana reside en el sufrimiento, no en los resultados" (Cartoons, p. 133).


De Schabenbeck también es recomendable que se visionen su ópera prima Wszystko jest liczba (Todo es un número, 1966) y Wykrzyknik (Signo de admiración, 1968), una filigrana de micropartículas en simética matemática que fue seleccionada en Cannes.

Crédito de la imagen: Filmoteka Narodowa.

jueves, 2 de agosto de 2018

Kroliks Kapustnogo Ogoroda (El conejo del campo de repollos, Aida Zyablikova, 2006)

Desde la tradición en el campo de los muñecos animados rusa, y concretamente de la otrora gran -hoy un poco más escueta- Soyuzmultfilm, nos llegó en 2006 este cortometraje dirigido por Aida Zyablikova (Voroshilovgrad, Unión Soviética [hoy Lugansk, Ucrania], 16 de marzo de 1940), que cuenta lo que sucede cuando pides un bebé a la cigüeña equivocada.




Título en cirílico: Кролик с капустного огорода.
Título en inglés: The rabbit from the cabbage garden.

martes, 17 de julio de 2018

LAJKA (Laika, Aurel Klimt, República Checa, 2017)

Hace un tiempo, comenté en este blog que el realizador stop-motion checo Aurel Klimt había iniciado una campaña de crowdunfing para terminar su largometraje basado en Laika, la perrita espacial de la URSS. No consiguió el pobre ni acercarse a su objetivo, pero por otras vías debió de lograr la financiación correspondiente para poder terminar una película que ya es una realidad.

La sinopsis que recogía hace unos días la web del Centro Checo de Madrid con motivo del estreno de la película en nuestro país (dentro de la tercera edición del Stop Motion Barcelona Short Film Festival), es la siguiente:
La perrita Laika no tiene una vida fácil en la perifería de una gran ciudad rusa. Un día es capturada y obligada a convertirse en pionera de los viajes espaciales. Tras su vuelo, le siguen otros muchos animales lanzados desde Houston o Baikonur. Estos, gracias a los agujeros negros, llegan todos a un lejano planeta en el que se establecen. Su coexistencia armónica con los animales locales se ve amenazada por la llegada del primer humano. Aurel Klimt quiso mostrar en esta película la injusta relación de la especie humana hacia los otros animales, sobre quienes tiene total poder de decisión y usa a su antojo, por ejemplo, para sus experimentos científicos.

Klimt consigue su objetivo de mostrar a la bestia que hay bajo el hombre, a través de un humor un tanto peculiar, secuencias bien rodadas, y algunas de canciones más acertadas que otras. Este puppet space musical (tal como indica Klimt en los créditos de inicio) contiene preciosos diseños de personajes de un estilo feísta, totalmente alejados a lo que marcan los estándares de la animación occidental, que se extiende hasta el atrezzo y los escenarios. 
El ritmo de la cinta es regular, con mucha potencia en ese primer tercio en el que raptan y preparan a Laika para su viaje espacial; un decaimiento importante en la parte central en la que los animales mandados desde diferentes puntos del globo llegan a un extraño planeta habitado por una fauna alienígena de altos niveles de bizarrismo; y un resurgir algo tibio en la llegada del astronauta al planeta y de cómo este se enfrenta a los animales. El astronauta ruso, un camarada al que una perra le ha robado la fama de ser el primer ser en el espacio, se llama Yuri Leftkin, aunque todos sabemos que el personaje realmente es Yuri Gagarin.

Con todo el resultado es ampliamente satisfactorio. Estamos ante una película de animación de muñecos de casi hora y media realizada con un presupuesto ridículo de 2 millones de euros, animada con esfuerzo desde 2011 a 2017 por solo cuatro animadores, que es perfectamente disfrutable para niños y adultos y que, además, mantiene el estilo de la tradición del cine de muñecos del país (donde destacan las figuras clave de Jiří Trnka, Břetislav Pojar, Hermína Týrlová o Jiří Barta). Por si esto no fuera suficiente para haceros ver la película, cabe decir que esta cuenta con coñas tan geniales como que la caja de herramientas de seguridad del cohete ruso se componga de una hoz y un martillo, o que cuente con escenas animadas tan visualmente apabullantes como la que incluyo a reglón seguido.


Aurel Klimt (1972, Žilina) es un director de animación checo y profesor de universidad. Estudió en el departamento de Animación de la Facultad de Cine y Televisión de la Academia de Artes Musicales de Praga. A lo largo de su carrera se ha dedicado a los dibujos animados, al videoarte, la pixilación y la animación con marionetas y ha trabajado con directores como Břetislav Pojar. Durante sus estudios creaciones suyas ya pasaron por algunos festivales internacionales. Entre sus numerosos reconocimientos nacionales e internacionales, destaca, por ejemplo, una nominación a los Oscar estudiantiles. Ha realizado también representaciones teatrales y melodías para programas de televisión. En sus películas suele ser el responsable del guión, la edición, la animación, la dirección, la escenografía y, a menudo, la idea original. Klimt dirigió desde 2006 a 2015 el departamento de Animación de la FAMU, la Academia de Cine de Praga y es el fundador del estudio ZVON.

martes, 10 de julio de 2018

DECÁLOGO DE LA ANIMACIÓN PARA NO MORIR EN EL INTENTO

Tanto si eres un animador veterano como si te estás introduciendo ahora en éste sector difícil de la animación, éste post puede interesarte. Siempre nos irá bien recordar unos mínimos o buenas prácticas para no morir en el intento y acabar tirando la toalla.
Desde la Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid (APIM) han preparado éste decálogo tan interesante llamado Decálogo de la animación para no morir en el intento, un total de 10 puntos que podríamos aplicar todos a partir de hoy, con tal de hacer un poco más llevadera la convivencia y el trabajo en el sector entre todos. Os lo dejamos a continuación. Y por supuesto gracias a la asociación del APIM por hacernos llegar ésta propuesta.

“Desde APIM (Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid) queremos aportar nuestro granito de arena a la concienciación de un sector tradicionalmente desmovilizado como es el de la animación.

La animación es un sector enorme que abarca desde las grandes producciones cinematográficas, hasta los pequeños cortometrajes independientes, pasando por los videojuegos, la publicidad, y la televisión. En todos estos medios, hay multitud de ilustradores haciendo su trabajo bien para diseñar personajes, dibujar fondos, hacer layouts, crear concept art, etc. 

En APIM consideramos que es muy necesario que un sector tan grande como es la animación, y tan lleno de ilustradores e ilustradoras trabajando a un nivel excelente, comience a tomar conciencia de colectivo profesional. Es por eso que en APIM hemos desarrollado un pequeño “Decálogo de Animación para no morir en el intento”. Nuestro objetivo es contribuir a plantear un cambio de paradigma en el sector para que seamos conscientes de nuestra problemática y tengamos herramientas a nuestro alcance con las que combatirlas.” 

1.- Las pruebas gratis son injustas 
-Vivimos de nuestro trabajo 
-Tenemos portafolios y currículums 
-Pruebas de empresa o “pitches” para clientes
2.- Los presupuestos son fundamentales 
-Pide toda la información necesaria 
-Tómate el tiempo suficiente 
-Presupuesta al alza 
-No tengas miedo a negociar
3.- Hay que negociar 
-La negociación es parte del trabajo 
-La calidad de vida tiene un precio 
-Si cambian las condiciones previas hay que renegociar
4.- Los pagos son esenciales 
-Cobrar bien es fundamental 
-Incluye un adelanto en el presupuesto 
-Los pagos deben ser ágiles 
-Reclama tu dinero 
-Recurre a la asociaciones
5.- Trabaja a un ritmo saludable 
-Trabajar no debe ser una tortura 
-Anticípate a los problemas 
-Tu rapidez debe favorecerte
6.- Las horas extra no son la solución 
-Las horas extras no son obligatorias 
-Menos horas extras y más contrataciones 
-Las horas extras perjudican al colectivo 
-Son un precedente peligroso
7.- Ser falso autónomo no es lo ideal 
-Sé consciente de tu situación 
-Todas las obligaciones, ninguno de los derechos
-Mala cosa en caso de conflicto
8.- Seamos estrictamente profesionales 
-Las ideas son trabajo creativo.
9.- Huye de los clientes tóxicos 
-Trabajar no es un juego 
-Frases de mal cliente 
-Avisando a los compañeros mejoramos la profesión
10.- Asóciate, colabora y participa 
-Somos compañeros, no competidores. 
-Consulta y aconseja -Trabajando juntos mejoramos las cosas 
-Cualquier colaboración es mejor que nada.

miércoles, 27 de junio de 2018

COMIENZA LA 3ra EDICIÓN DEL STOP MOTION BARCELONA

En un par de días dará comienzo la tercera edición del único festival dedicado al stop-motion no sólo ya de Barcelona, Cataluña o España, sino de toda la Europa mediterránea. El Stop Motion Barcelona Short Film Festival se consagra este fin de semana como ese epicentro al que acudir anualmente para enterarse de las novedades referentes a la stop-motion, la técnica más polivalente y eterna del cine animado.
Repiten en esta ocasión sede para el evento, el bien equipado Centro Cívico Can Felipa (Carrer de Pallars, 277, Barcelona), desde dónde entre el jueves 28 y el sábado 30 de junio tendrán lugar actividades montadas, coordinadas y dirigidas por Lula Gómez, Jordi Piulachs y Guillem Puig tan cojonudas como la master class de Carla Pereira, animadora en Isla de Perros, Inzommia (pendiente de estreno) y Clay Kids, además de codirectora del estudio Colectivo Engranaje; la ídem de María Ribas, joven promesa de la animación que contará su paso como animadora en Aardman Animations; o la clase magistral de Ana Esteve, codirectora del estudio valenciano Pangur. Además se proyecta, por primera vez en nuestro país, el último largometraje del checo Aurel Klimt: Laika -film al que le tengo unas ganas locas-, habrá un taller de muñecos de fieltro a cargo de Loca ella objetos, y el Stop Trik Festival, el festi invitado con sede en Letonia y Polonia, ha preparado una selección de los mejores films que han sido seleccionados por ellos en sus últimas ediciones.
Por si fuera poco, están también las habituales selecciones de cortometrajes, tanto a los que compiten por el enorme Dracma de oro como los cortos de escuela fuera de concurso, donde los asistentes podrán ver joyitas como The Burden de Niki Lindroth Von Bahr, 6:1 de Sergei Ryabov, o Nocturne de Anne Breymann. Toda la lista a continuación:
En definitiva, se trata de un escaparate de lujo para todos aquellos que sepan amar la animación stop-motion como se merece. Ah, y puedo certificar que las fiestas de clausura de este festival son legendarias, así que si eres un juergas no lo dudes un segundo y pilla ya tus entradas.

martes, 5 de junio de 2018

D.I.M. (Marek Skrobecki, Polonia, 1992)

Después de llevar un rato buscando cortos checos de los años posteriores a 1945, con el motivo de documentarme para la segunda parte del libro Animando lo imposible, me he topado con el cortometraje D.I.M. realizado por el polaco Marek Skrobecki (Kalisz, 18 de septiembre de 1951) en 1992 bajo la producción de los prestigiosos estudios Se-ma-for (aquellos que ganaron hace no mucho el Oscar a mejor cortometraje de animación por una versión de Pedro y el lobo interpretada por preciosos muñecos animados).
El film me ha atrapado desde el segundo uno por esos puppets de dimensiones humanas, que en cierto modo me recordaban a algunos de los cortometrajes de Švankmajer. En su conjunto me ha parecido una bonita obra sobre el amor, aunque quizás el autor quiera expresar otras emociones en capas más profundas de lecturas... Lo mejor será que lo veáis, junto a su correspondiente making of, y os hagáis vuestra propia idea al respecto.


miércoles, 23 de mayo de 2018

SENSATO PÉREZ: EL HOMBRE PASKU

Trece buchitos de sidra me acompañan hoy en este texto dedicado a uno de los más admirados animadores de la stop-motion de este país; un artista gustoso de disfrutar de la espirituosidad de la bebida entre fotogramas.

Hace un par de semanas se dio el pistoletazo de salida a la exposición Pascual Pérez: El hombre sensato, a quien los amigos de la localidad natal del artista tenían a bien llamarle Pasku, con esa K en cierto punto macarra, trasgresora y antinatura que tan bien le definía. El esfuerzo llevado a cabo por estas gentes que, dos veces al año se reunen en la peña Demolició para pasarlo en grande, ha llegado a buen puerto -pese a que la ciudad no sea costera.

No voy a repasar la vida y milagros animados de Pasku, pues ya publiqué en el momento de su temprano fallecimiento una extensa entrevista en la que se dejaban entrever bastante bien ambas facetas (PINCHA AQUÍ); pero sí que me gustaría apuntar que fue el primer animador español en entrar a formar parte de Aardman, donde fue fuerza animadora fundamental en el desarrollo de esa serie tan subversiva que es Angry Kid (creada por su amigo y director Darren Walsh), además de haberse llevado para casa el galadón del jurado junior del prestigioso festival gabacho de Annecy por esa absoluta delicia que es Història d'Este. Puede parecer "poka kosa", pero es que como digo no quiero hacer un repaso pormenorizado de su obra.
El concejal de cultura Eduardo Pérez Arribas dado el discurso inaugural de la exposición. (C)Foto cedida por Rafa Marco.
Quiero, eso sí, que los que leáis esta entrada y tengáis la oportunidad os acerquéis a Vila-real (Villarreal), Castellón, para disfrutar de la exposición que recoge, envitrinado, el legado de Pasku. Figuras en plastilina, esqueletos metálicos de sus figuras, diseños, carteles, fotos en tamaño hiperlativo y proyecciones de sus trabajos más representativos y más añejos -aquellas primeros acercamientos a la animación que llevó a cabo en la UPV y que me resultaron absolutamente facinantes-. Todo eso y más.

¿Dónde? En el Convent, espai d'art, Vila-real.

¿Hasta cuándo? Hasta el 15 de julio.

¿Cuánto cuesta este goce expositivo? Absolutamente nada, locx, así que tira para Vila-real.
Quiero aprovechar esta entrada para dar las gracias a toda la peña Demolició por acogerme durante los días 11 y 12 de mayo, haciéndome disfrutar de parte de la fiestas de San Pascual (viaje corto en el que por fortuna me libré de ver el toro embolado) y de la propia inauguración de la exposición. Gracias en especial a Chema López, por el precioso catálogo que se ha currado; a Xavier Mariner, por su lucha contra leyes y marea para dar a Pasku desde la dirección de la exposición el mejor homenaje posible; y a Pasqual Manzanet, por ser tan jodidamente majo.

Para terminar, dejo por aquí el texto que leí en la inauguración y que sirve de texto introductorio del catálogo de la exposición:

Mente animada y manos superdotadas, en corazón pasional. 

La historia del cine de animación en plastilina de nuestro país se imbuye de lleno en los propios orígenes del cine. Segundo de Chomón fue pionero en eso de mover objetos y muñecos con la técnica cinematográfica, y casi demiúrgica, que convenimos en llamar internacionalmente stop-motion –paso de manivela para el viejo turolense-, y con ella llegó hasta la arcilla, ancestro directo de la plastilina, para moldear caras que se iban deformando con el paso de los fotogramas en blanco y negro, ante los ojos del espectador. Y sin embargo, aunque durante los inicios de esta venerable técnica animada estuvo estrechamente ligada a nuestro país, ni en la Segunda República ni en la posterior Dictadura Franquista hubo continuidad en esa forma de hacer cine; quizás porque si algún realizador se hubiera predispuesto, habría virado hacia temas reprobados por la censura. 

Los ochenta y los noventa supondrían, por el contrario, una eclosión artística en el cine de animación stop-motion, sobre todo por el empuje de la costa levantina. Pablo Llorens se convertiría en la punta de lanza; o mejor, en el animador independiente lanzado a contracorriente que fue contagiando con su virus de colores vivos y personajes histriónicos a sus compañeros de la facultad de Bellas Artes de la UPV y al resto de seres que acababan viendo sus trabajos en festivales como Cinemajove. Esa virulencia plastilinosa acabó entrando en el sistema orgánico del amigo al que damos merecido homenaje con esta exposición, aunque ese virus se quedaría en estado latente hasta que las nieblas de Brístol lo volvieran activo, activo, y más activo, para todo el devenir de su carrera profesional. La razón médica es otra, pero estoy seguro que a nivel artístico la causa del temprano viaje sin regreso de Pasku fue la sobre exposición a la plastilina. 

Supone para mí un placer inmenso que esta muestra de la alegría y el arte de Pascual Pérez Porcar haya salido adelante, y me siento muy agradecido por el hecho de que me hayan pedido escribir este texto a modo de prólogo. Por desgracia no conocí nunca a Pascual en un tête à tête, pero gracias a llamadas de teléfono, mensajes por redes sociales, y decenas de emails, albergo una idea clara del alma humilde y cercana detrás del gran profesional del cine de animación que tanto admiraba, admiro y admiraré siempre. 

Lo bello de un cineasta es que podremos revisar, cuando nos plazca, su obra y, con ello, parte de su esencia. A Pasku le recordaremos por las grandes animaciones que dejó en grandes proyectos de cine firmados por Aardman o los Bolexbrothers, pero, principalmente, por aquella delicatesen en formato corto que maravilló a los asistentes del festival de Annecy –considerado el más importante de animación del mundo– titulada Història d'Este. Una rara avis de nuestra filmografía animada con la que es imposible no esbozar una bella sonrisa. Una dosis perfecta de la esencia de Pasku, que permite que podamos admirarle por siempre, a golpe de reproductor de DVD o de un click en el botón de play de YouTube.

(C)Fotografías de la exposición cedidas por Víctor Bellver.

domingo, 22 de abril de 2018

Soggy Flakes (The Affolter Bros, EEUU, 2017)

En el recientemente publicado número de Stop Motion Magazine (de momento gratuito en su web), me he topado con una entrevista a Foreshadow Films (estudio formado por los hermanos Affolter: Thomas, Nathan, Heath y Jon), responsables del cortometraje que hoy traigo al blog. Un acercamiento canalla a esas mascotas de cereales, en este caso venidas a menos, con animaciones buenas y mejores diseños de personajes.


Estos hermanos crearon años atrás unos vídeos, también en stop-motion, para los concursos de 2008 y 2010 de Big Rock Beer. Son tan genuinos como cutres, aviso: