martes, 19 de abril de 2016

MADE IN SPAIN: La animación minimalista de Coke Rioboo

Hace eones que no me pasaba por aquí, aunque lo cierto es que los que seguís a Puppets & Clay en facebook seguro que no os habéis aburrido. Pero hoy tocaba hablar de MADE IN SPAIN el último trabajo de animación del colega y ganador de un Goya (por el cortometraje El Viaje de Said), Coke Rioboo. Precisamente Coke me escribió hace unos días para enseñarme su corto, al que le llevo siguiendo la pista por redes sociales desde que comenzara a fraguarse y que por supuesto tenía unas ganas locas de ver en su totalidad. 
El gigante, Coke Rioboo 
Localizado en una playa española (españolísima, ¡y olé!), la historia avanza a través de topicazos de nuestra tierra interpretados por seres diminutos -fundamentalmente figuras que los maquetistas de trenes utilizan para decorar sus andenes, y algunas más que el propio Coke y su equipo han tuneado para que se adaptaran a los estándares de su folclórica historia. Así veremos desfilar monjas, curas, los reyes de España (papi e hijo), toreros, jubilados apoyados en la valla de una obra y, por supuesto, flamencas (y no precisamente las hembras de las aves zancudas).

Valle Comba Canales, artista detrás de las maquetas del corto
Con altísimas expectativas esperaba este cachondo divertimento de fresca animación -que ejerce de bálsamo contra el trabajadísimo e intimista cortometraje anterior de Rioboo, el ampliamente recomendable El Ruido del Mundo-, y no solo no me ha decepcionado sino que ha pasado de largo lo que imaginaba que vería. El corto de Coke nada tiene que envidiar al disfrutable trabajo que Stéphane Aubier y Vincent Patar perpetraron en Panique Au Villaje, al que la mente rápidamente nos retrotrae por el tipo de animación por sustitución de minipersonajes estáticos y por el humor que se destila de ambos proyectos. Un humor loco y absurdo, altamente evasivo, que hace que nos podamos reír de temas tan terribles como la labor de repulsión de inmigrantes que ejercen los picoletos en nuestras fronteras, o la tenencia de un Presidente del Gobierno con imposibilidad de dar la cara si no es con una TV de plasma de por medio. 

Más info:

domingo, 10 de enero de 2016

Tangencias: ¡Eso es todo, amigos! (Cruz Delgado Sánchez y Alfons Moliné, Diábolo Ediciones)

Vuelvo a la carga en 2016 con una entrada tangencial al mundo del stop-motion, pues solo tiene como punto en común es una entrada que se centra en un libro que trata sobre el cine de animación. ¡Eso es todo, amigos! relata las hazañas vividas por la famosa división de animación de Warner Brothers, la terraza de las termitas para los entendidillos, desde sus inicios hasta la actualidad.
Con el lenguaje cercano, sin rimbombancias innecesarias, con el que me tiene acostumbrado Diábolo Ediciones -una de las pocas editoriales nacionales en publicar ensayos sobre el cine de animación, y quizás la que más empeño pone en mostrarlos de forma vistosa (la cantidad de fotos e ilustraciones es abrumadora)- llega este necesario libro obra de Cruz Delgado y Alfons Moliné, quienes demuestran conocer este macrouniverso animado como si hubieran compartido andanzas con Bugs Bunny, el Pato Lucas o Sam Bigotes, consiguiendo un memorable volumen que no puede faltar en cualquier amante del cine de animación que se precie. 

Si el lector se anima a comprarlo, 23,95 € en edición tapa dura y 262 páginas a todo color, le recomiendo que lo lea teniendo el ordenador a mano y se pare en YouTube, Vimeo o DailyMotion siempre que encuentre  una de las recomendaciones de los autores. Esta forma de lectura trasmedia hace que se disfrute el doble tanto de los alucinantes cortometrajes Warner como del libro, que ejerce así de guía de arte dentro de las salas animadas del museo audiovisual que suponen los famosos portales de vídeos online. Aquí dejo una pequeña selección de los que más me flipan.



miércoles, 30 de diciembre de 2015

FANZINE #5: YA A LA VENTA

Se me pasan los días y no subo al blog una noticia que ya he publicado varias veces en facebook pero que no es de recibo que no lo haga aquí con un poco más de profundidad. Así que chicas (ellas primero que son las que más compran el fanzine) y chicos, os anuncio que oficialmente ya se puede comprar el quinto número de la aclamada publicación que lo peta en mi comunidad de vecinos y algún que otro rincón de este reino. 
El equipo de colaboradores, multidisciplinares pero todos ellos con un profundo amor por el stop-motion, hemos dado lo mejor de nosotros mismos para estar nuevo en las estanterías de los sitios más selectos (abajo la lista de sitios donde puedes adquirirlos) con un quinto número centrado en los brick films, o lo que es lo mismo, las animaciones stop-motion realizadas con bloques de Lego. Aquí analizamos las razones del auge de este submundo animado con una presencia en YouTube absolutamente abrumadora, así como sus técnicas particulares, hacemos un repaso histórico y una radiografía española (con entrevista a Pablo Llorens incluida), y os damos como recomendación los que a nuestro juicio nos parecen los nueve brick films que no deberías perderte. 

Pero no solo eso, ya sabéis que en Puppets & Clay cuidamos mucho de ser heterogéneos dentro de que centramos el tiro dentro del cine, y dentro de este de la animación, y ya dentro de este del stop-motion. A priori podría parecer que estamos encorsetados, pero hablad conmigo que os puedo asegurar que después de todo el tiempo que llevo con el blog, las más de 800 entradas publicadas son solo un pequeña capa de todo lo que hay por descubrir, analizar y recomendar de esta encomiable técnica. Sin tirar más del rollo, paso a dejaros el resto de colaboraciones que encontraréis en este número:
  • Pioneros de los Brick Films: Humor gráfico  de Pedro Toro.
  • Lego Man conoce a su creador: Comicazo de Fran Scythe.
  • Los nómadas del stop-motion: Artículo autobiográfico de la model maker (creadora de escenarios) Cristina Acuña Solla (O Apostolo, Solan og Ludvig, Kubo y los dos hilos, Ma vie Courgette).
  •  Double Shot!: Oscar Arias analiza las cutrezas y grandezas de I was a Zombie for the F.B.I. y El valle de Gwangi.
  • Fotoplastinovela de Pablo Llorens creada para la ocasión, con figuras de Halo Megabloks luchando contra criautras lovecraftianas.
  • Stop-Motion en el Aula: El stop-motion puede valer para mucho más que entretener, sino para educar a las nuevas generaciones en la fuerza del mundo audiovisual en el que vivimos. Grandioso artículo de la profesora Teresa del Pozo.
  • Análisis pormenorizado del primera largometraje de Tintin, El cangrejo de las pinzas de oro, redactado por la maravillosa prosa de César Iglesias.
  • Entrevista al héroe del stop-motion argentino, Juan Pablo Zaramella, y recorrido histórico de la técnica en el país del mate, por la expecialista Soffía Félix Poggi.
  • Armature Attack: Último artículo sobre las herramientas del taller del creador de esqueletos de stop-motion antes de meterse en materia. Por el siempre amable, cercano y locuelo Carlos Padilla.
  • Decibelios Animados, The White Stripes - Fell in Love with a Girl. Genial articulete de Daniel Encinas, el más melómano de la familia. 
  • La Escena: Gremlins (1984).
  • Fan Art: Ilustraciones en blanco y negro realizadas por los artistas Jandro y Julio Sari que te dejarán boquiabierto.
Todo ello, con una maquetación que hace que el Cuore parezca una revistilla gracias a la destreza de Diego Soriano con el InDesign, una contraportada realizada por Valen Falconí que homenajea las animaciones de Lego realizadas por Pablo Llorens, y una portada realizada a medias entre este último y el siempre explosivo Dani Moreno.
¿Cuánta pasta pagaríais por todo esto?... No se te vaya tanto la pinza, que ya se me va a mí lo suficiente como para ponerlo a 4 € y sudar la gota para cubrir la impresión profesional que nos ofrece Digital Copy Shop (Barcelona). Lo bueno es que el que compra, repite y eso me permite seguir manteniendo este precio de locos. Al menos de momento...

Pide tu ejemplar mandando un email a fanzine.puppetsandclay@gmail.com, o visitando uno de los siguientes puntos de venta oficiales (actualizaremos la entrada según vayamos enviado ejemplares a más tiendas):

- Madrid Cómics (Madrid).
- Estudio 64 (Valencia).
- La Academia de Animación (Barcelona).

lunes, 28 de diciembre de 2015

SE NOS HA IDO PASCUAL PÉREZ (1967-2015)

Desde el día de ayer, el stop-motion está de luto por la noticia de la prematura salida de nuestro mundo de Pascual "Pasku" Pérez Porcar (1967-2015), uno de los mejores animadores stop-motion que ha dado España, Europa y el Mundo. Fuentes cercanas a su persona me han informado que desde hace un par años sufría un cáncer de pulmón contra el que estuvo luchando hasta el final. Por fortuna nos quedan sus animaciones para Aardman o para Conflictivos Productions y por supuesto su sobresaliente Historia d'Este, sobre el que el que escribí en la revista Con A de Animación y con el que fue premiado en Annecy. Pero desde luego que no es un gran consuelo para este mazazo. 



Desde Puppets & Clay he tratado mucho más con el Pasku profesional (siempre atento de atender a mis entrevistas, peticiones, fotos, etc... a las que siempre atendió de forma muy generosa) que con el personal, pero en esas llamadas, emails, chats y cartas siempre dejaba notar la calidad humana que tenía. Uno de estos encuentros se produjo una tarde en facebook de 2010 en la que le planteé la idea de realizar una entrevista que quería publicar en ese proyecto de libro sobre stop-motion en España que finalmente no ha visto la luz. Me dijo que no tenía prisa y que a su lado había una copa de vino tinto, así que era el momento idoneo para disparar mis preguntas. Estas aparecieron aparecieron en el número del fanzine, pero creo que es el momento idóneo para rescatarlas y publicarlas integramente para que podáis apreciar al gran profesional que hemos perdido. Descansa en paz, maestro, ya te echo de menos.

¿Cuál fue tu primer contacto con el mundo de la animación stop motion? 

Aparte de estar pegado a la tele viendo dibujos cada vez que echaban algo, mi primer contacto con la animación fue ya de adolescente, gracias a la cámara de súper 8 familiar. Rodé algunas secuencias foto a foto con un muñeco de plastelina, aunque no deja de ser algo anecdótico. 

El primer trabajo tuyo del que tengo constancia dentro la animación stop-motion, ya que anteriormente trabajaste en la serie de 2-D de Cuttlas, es “Presunta Ratita”. ¿Cómo te surgió la idea de realizar este corto? 

Presunta Ratita es un trabajo de clase. En el 99 después de haber trabajado varios años en animación de dibujos un curso de animación en Bristol, en los últimos meses del curso, los diversos estudios que colaboraban nos proponían hacer un corto durante dos semanas basado en una idea que ellos nos sugerían. La línea de argumento de la propuesta de Bolex Brothers era algo así como: “de un montón de juguetes rotos y viejos un personaje toma vida”. Que viene a ser lo que sucede en el corto aunque con un poco más de drama (o eso espero).

¿Cómo surgió la oportunidad de irte a trabajar al Reino Unido como animador? 

Como apuntaba antes, y dado que no tenía formación académica en animación me surgió la posibilidad de hacer me fui a Reino Unido para cursar un "máster" de 6 meses en animación de stop motion. los profesores de curso eran directores y creativos de Aardman Animations, Bolex Brothers, y otras productoras inglesas. fueron ellos mismos los que me ofrecieron trabajo. Así que, fue bastante "rodado" poder dar los primeros pasos como profesional en este medio. Tuve la suerte estar en el lugar indicado en le momento oportuno.
Tu primer trabajo como animador stop-motion fue desarrollado en el especial de la BBC “Robbie the reindeer: hooves of fire” ¿Qué puedes contarnos de la experiencia? 

Pues, para alguien que como yo en ese momento no sabía prácticamente nada del proceso de la animación de stop motion, como se construyen los muñecos, los decorados, las técnicas de rodaje, la iluminación etc., fue fantástico entrar en un rodaje profesional y con un equipo humano y técnico excelente. También trabajar con Richard Goleszowski (Golly) el creador de Rex the Runt fue muy positivo por que su manera de dirigir es muy abierta y deja bastante espacio para que los animadores aporten rasgos a los personajes e incorporen aspectos mas creativos. De haber empezado con otros directores que necesitan un mayor control sobre la actuación de los personajes, quizás me hubiera resultado más difícil. 

El siguiente trabajo nos lleva a nada más y nada menos que a Aardman Animations, donde realizaste capítulos de la brutal serie “Angry Kid”. ¿Cómo fue como Aardman contactó contigo? ¿Fue duro trabajar en “Angry Kid” con personas en vez de con muñecos?

Con Darren Walsh trabé amistad antes de incorporarme a su serie, por que pasaba bastante tiempo con el grupito de "estudiantes" del curso de animación así que cuando empezó su rodaje me ofreció entrar como "asistente" (al principio no había presupuesto para contratar un animador) aunque acabé por encargarme de animar una especie de "segunda unidad". 

Angry kid esta rodada principalmente con "Pixilación" que consiste en rodar foto a foto a humanos como si de muñecos se tratara. En Angry Kid, el actor se colocaba en la cabeza una máscara que según el lipsink o las actuación se va animando foto a foto por sustitución. En algunos episodios la acción no se rodaba siguiendo ese patrón por razones técnicas, por ejemplo si la acción transcurría en exteriores (con lo que de rodarlo de este modo, las fluctuaciones de luz hubieran resultado inadmisibles) o si la acción resultaba demasiado compleja para grabarla foto a foto a tamaño real (como por ejemplo un recorrido en bicicleta) se grababa primero al actor y después, se animaba foto a foto las máscaras que cubrían al actor (que eran exactamente las mismas que se utilizaban en la pixilación) y también a los personajes secundarios. Ese era mi trabajo.

Ahora, con las técnicas de croma, o los programas de trazado 3d es más sencillo integrar animación (3d) e imagen real pero hace 10 años, era un poco mas complicado, digamos que la animación se creaba de una manera "artesanal" y con una asistencia de vídeo muy limitada, aunque creo que eso ayudaba a que el resultado guardara ese toque precisamente orgánico que tiene toda la serie. En cuanto a si fue duro, pues, la verdad es que creo que es un tipo de animación bastante difícil, por que los fallos, o "sierras" en la animación pueden ser muy evidentes y no integrarse con la toma directa. En ese caso, tu mejor opción suele ser volver a empezar de cero.

El siguiente paso te lleva a animar uno de los más famosos personajes de plastilina de todos los tiempos, me refiero por supuesto a “Morph”. ¿Recuerdas con cariño el haber realizado capítulos con el personaje creado por Peter Lord? 

Si, Morph estuvo muy bien. Fue la primera vez que emprendía un trabajo con un personaje ya creado, con lo que por un lado tienes que "copiar" un determinado tipo de animación que quizás no es la tuya. además en los tres episodios de morph hice de director y guionista. resulta complicado crear historias para personajes bien definidos y con condicionantes donde no te puedes salir de la linea argumental que te da la propia serie, pero, si lo consigues y el creador del personaje se identifica con tu trabajo es muy gratificante. 

Poco después vino el corto “Biodiversity”, que es una de las pocas creaciones de Aardman que no conocía hasta la realización de esta entrevista. ¿Qué puedes contarnos de este trabajo? 

Biodiversity es un pequeño corto que Aardman creó para wwf como parte de una exhibición en Estados Unidos, con lo que no se ha visto por los circuitos de cortometrajes. El corto mezclaba también imagen real y animación y consistía en pequeñas entrevistas a distintos animales y especies en extinción como si de enfermos terminales se tratara.
Rex the Runt, Rex the Runt, A wobbly, bobbly, dribbly, squiggly dog! Soy un gran fan de esta serie, ¿que puedes contarme de tu trabajo como animador en ella? ¿Cuál era tu personaje favorito al animar? 

En rex (como en la mayoría de las producciones de stop motion) el animador anima todo lo que aparece en escena, con lo que en muchos planos estabas animando 3 o 4 personajes a la vez. Esto hace que a veces el trabajo mas complicado es mantener el equilibrio entre la acción del personaje principal en el plano y la de los otros personajes que intervienen y saber guiar la atención del espectador hacia lo que en el plano en cuestión es interesante y no hacia lo secundario. Dicho de otra manera, el “Timing” ha de ser “bueno”.

En cuanto un personaje en concreto, bueno animar a Vicent es muy divertido por que al ser un poco "autista" tienes que ser capaz de "no animarlo" (dejarlo quieto) durante mucho tiempo y jugar con los tiempos (otra vez el “timing”) para que sus repentinas explosiones de actividad resulten "espectaculares". Además el diseño "disfuncional" de Vincent, la voz de Steve Box y su fantástica retórica (creo que "espagueti" y “trousers” es todo su vocabulario) hacen que sea muy agradable trabajar con él. 

También realizaste aquí los títulos de crédito de “Noche de Reyes”. ¿Te dejaron bastante libertad para crear lo que quisieras o tenía las cosas bastante marcadas? 

En Noche de reyes, el diseño de los muñecos, los planos, etc. venían marcados por Miguel Bardem y la gente de Pasozebra, la empresa productora. En cuanto la animación en si Miguel nos daba bastante libertad. No obstante mi trabajo principal consistió en unos planos que integraban a un actor real que interactuaba con un muñeco, con lo que, se trata de que la integración, la sensación de peso y dinámica funcione... y en esos casos, no hay mas margen que... hacerlo bien. 

¿Qué nos cuentas del cortometraje “El ladrón navideño”? 

Pues yo creo que técnicamente en cuanto animación de stop-motion es de los mejores que se habían hecho en España hasta la fecha gracias al empeño de Javier Tostado, su director y productor. Fue la primera vez que en España se utilizaron esqueletos profesionales y muñecos de foam látex (espuma de látex). Los decorados, la iluminación y la animación estaba muy cuidada. el proyecto se planteó como "teaser" o un "medio-piloto" para poder lazar una serie con estos personajes. De hecho creo que la serie esta pendiente de conseguir financiación. ¡A ver si sale adelante! 

La serie de animación española “Trickes” de Pasozebra Producciones es algo peculiar, ya que utilizaba para cada capítulo una técnica distinta de animación. ¿Supongo que tu labor se limitó a la stop-motion no? 

Para Trickes hice un episodio en stop-motion pero con personajes en cut out (recortes). Una animación simple pero muy efectiva. 

Robbie the reindeer: The legend of the lost tribe” es la segunda entrega de la trilogía de especiales de este personaje, y la última que cuenta con animación frame by frame. ¿Los muñecos en esta saga no están fabricados con plastilina verdad? 

No, son de foam látex, con esqueletos de metal. Luego las cabezas son sólidas y las bocas de plastelina, esto ahorra tiempo a la hora de modelar. El Director era Peter Peake y el rodaje fue de unos 9 meses, con un equipo de 6 animadores. Entre los que participamos, aún lo recordamos como el rodaje mas tranquilo y relajado de los que se han hecho en Bristol, y han sido muchos. 
El siguiente trabajo es uno de los más grandes de tu carrera, la serie “Creature Comforts”, dirigida por Richard Goleszowski, con el que habías trabajado en el primer especial del reno de la BBC. ¿Cómo es trabajar con Richad? ¿Qué animales te tocó animar durante la primera temporada de la exitosa serie? 

Como ya comenté antes con golly se trabaja muy a gusto por que suele dejar bastante espacio al animador, mientras en la actuación se cubran los puntos necesarios en cada plano. En la serie hice bastantes personajes, aunque con el que estuve mas tiempo fue con el hámster. Un personaje un tanto deprimido que se quejaba continuamente con una voz muy pausada. Precisamente sus pausas y pequeños resultaban fantásticos a la hora de animar e imprimirle carácter.
Sin duda tener la oportunidad de trabajar en un largometraje en una compañía de cómo Aardman tiene que ser una pasada, pero si además es para animar a la entrañable pareja Wallace y Gromit, pare que queremos más. ¿Cómo recuerdas trabajar en The “Curse of the Were-Rabbit”? ¿Nick Park y Steve Box (los directores) estuvieron accesibles durante todo el rodaje? 

Para mí fue una experiencia única. Tuve la oportunidad de trabajar en un largometraje donde la animación de calidad es la protagonista, además, los cortos de Nick Park creo que son los que me han dejado una huella mas profunda y por los que me apasioné definitivamente con este medio, así que, trabajar en el largo... en fin un sueño, la verdad. 

En cuanto al rodaje, en realidad para los directores es muy complicado por que se necesitan mucho tiempo para dejar cada plano listo para el rodaje. Hay que tener en cuenta que aunque veníamos a a ser 12 animadores, la animación, los decorados, la iluminación, ha de recrear en cada plano el estilo de Nick Park. Para hacer esto posible, tanto Nick como Steve supervisaban personalmente todos los pasos del proceso con lo que estaban continuamente yendo de un set a otro, viendo pruebas y material rodado... y tomando decisiones. Para los animadores esto supone que mucho del trabajo consiste muchas veces en esperar por el resto de “piezas” del proceso. 

Rodar un Largometraje de animación de Stop-motion suele resultar mas complicado que un cortometraje no solo por su duración. Normalmente hay que multiplicar el numero de sets (o platós) y el proceso se complica de una manera exponencial. La animación de stop-motion es una proceso lineal, Para rodar cualquier plano primero han de estar los decorados, los muñecos, la iluminación, el rigging y el trabajo de cámara, cada etapa sigue a la otra, no se pueden hacer simultáneamente y todas estas etapas necesitan de la supervisión del director, a veces hay que realizar test de cámara (si se trabaja a 35mm) o de animación. El animador también necesita las instrucciones del director para definir la actuación del personaje y todas esas etapas necesitan de la atención y el tiempo del director. Si tienes mas de 12 sets en funcionamiento simultáneamente (en Wallace & Gromit llegamos a tener 25 si no recuerdo mal) se reduce mucho el tiempo el director le puedes dedicar diariamente a cada uno (dedicando tan solo media hora a cada set, matemáticamente consumirías 6 horas de su tiempo) así que o la labor de organización del regidor es muy buena o puede resultar un proceso interminable.

¿Y para el famoso anuncio de “Prosikito”? 

En el anuncio de prosikito animamos el plano final en el que unos cientos de cajas entran por la puerta trasera del renault kangoo.

El siguiente trabajo fue “Creature Comforts USA”. ¿Cuáles son las diferencias de esta temporada de Creature Comforts con respecto a las anteriores?

A nivel de animación y estilo no demasiadas aunque aquí se utilizaron cámaras de vídeo de alta definición con lo que a la hora de trabajar prácticamente no había ningún cambio de calidad entre el material de asistencia de vídeo con el que trabajas al animar la secuencia y el resultado final. A nivel de guión, al estar dirigida al público americano quizás los diálogos eran mas dinámicos. en la versión inglesa quizás había más sutilezas en el tono, o mayor carga irónica a la hora de situar las situaciones de los personajes (por ejemplo, el hámster "deprimido" siempre aparecía dentro de una jaula olvidada en cualquier rincón aunque en distintos escenarios). en la versión "USA" el humor quizás era mas directo. 

Para el cortometraje “Sombra” volviste a trabajar con personas en vez de con muñecos o plastilina. ¿Cómo conseguiste este trabajo? 

Sombra es una colaboración con la artista Mar Caldas, se basa en una idea suya a la que le ayudé a darle forma con animación. Más que un trabajo es una cuestión de amistad. 

Ese mismo año Sam te pidió que colaboraras en “The Werepig”. ¿Cómo fue trabajar con Conflictivos Productions? 

Resultó muy bien, aunque mi aportación al Werepig fue muy puntual, ojalá hubiera podido hacer más. En cuanto a Conflictivos, hoy por hoy es la mejor empresa de stop-motion de España y a mi entender, tiene un nivel de calidad equiparable al de las mejores productoras de Europa o EEUU.
El anuncio Change for Life “Activity”, realizado por Aardman es muy positivo en todos los aspectos. ¿Ves en la animación como un medio de hacer cambiar el mundo? 

La animación como género siempre ha tenido una gran capacidad para transmitir mensajes "didácticos" y contenidos difíciles de comunicar con o medios mas tradicionales. Por eso es muy recurrente en campañas de publicidad que intentan transmitir al público cambios en sus comportamientos o "venderles" cosas que no desean especialmente. Esto vale tanto para una campaña de promoción de hábitos saludables (como la de change for life) como para que la gente acepte dejar de usar la peseta (como en la campaña del euro). 

Yo creo que para los Creativos de Publicidad la animación debería de ser su primera apuesta, cuando se encuentran con productos difíciles o intangibles. Tal vez no se hacen mas anuncios animados por el mito (que no comparto) de que "la animación es muy cara".

En cuanto a lo de cambiar el mundo, creo que el mundo lo cambian las personas, no los anuncios. 
En lo último en lo que estás currando [por aquel entonces...] es en la adaptación del libro infantil de la editorial OQO, editorial de la que recomiendo la lectura de sus libros, “La tortuga que quería dormir”. ¿En que momento del proceso creativo os encontráis ahora? 

El rodaje de “La tortuga que quería dormir” ya acabó hace unos meses, el corto se encuentra en postproducción. Es un cuento sencillo, para chavales, sobre el valor que le damos a los objetos materiales. Espero poder estrenarlo en algún festival próximamente. 

Por último, ¿tienes algún otro proyecto para el futuro próximo? 

Pues aparte de mi trabajo como “freelance”...

Muchos... por el momento estoy centrado en sacar adelante "Historia de Éste" un corto sobre un hombre que toma mucho café... y cómo este pequeño detalle afecta a su rutina cotidiana... 

...y con el que espero cambiar el mundo... 

No, en serio, con entretener a la gente ya me vale. Aunque entretener con mensaje, quizás es mas interesante. Aun estoy viendo con que posibilidades de financiación me encuentro, así que si hay alguien interesado en invertir en un corto que se pase por mi página y que no dude en ponerse en contacto. Siempre hay guiones en el cajón.
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Por ser un poco más completista en este recorrido profesional faltaría mencionar que Pascual también colaboró en Vicenta (2010), ¡Piratas! (2011), Shady Palms (2011), So, you want to be a Pirate! (2012), Shaun the Sheep (2012), Pos eso (2013) y Shaun the Sheep the Movie (2013).

domingo, 27 de diciembre de 2015

THE INVISIBLES (Edgar Humberto Álvarez, EEUU/Colombia, 2014)

Como un claro y sutil canto por la concienciación social de las personas sin techo, Edgar Humberto Álvarez nos presenta The Invisibles, cortometraje en el que representa a solo una pequeña parte de los vagabundos que copan las calles de Los Ángeles y que se han visto caracterizados en versión en plastilina por las manos de este artista colombiano. Edgar ha liberado el corto como regalo de navidad y, sinceramente, me parece un detalle tan bello como su delicado cortometraje.