viernes, 14 de septiembre de 2018

ENTREVISTA A IVÁN SARRIÓN, AMO DE LA FLUIDEZ ANIMADA

Iván Sarrión Soria (Alzira, Valencia, 23 de febrero de 1991) es un animador que, pese a su juventud, tiene en sus espaldas las contracturas de un animador talludito, de tanto poner posiciones extremas para mover a muñecos fotograma a fotograma delante de las cámaras. Su paso por la serie valenciana Clay  Kids, levantada con no poca entrega y esfuerzo por Javier Tostado y María Lara, le permitió quedarse en tierras mediterráneas -cual lapa- para de vivir de lo que más le apasiona: la animación stop-motion. Toda una proeza al alcance de muy pocos afortunados. Su secreto, saber dar una fluidez insólita a los muñecos que caen en sus manos.
Iván animando a los personajes de unos de los anuncios que Inspiranimation realizó para Bajaj Electricals.
Adrián Encinas (AE): Para empezar fuertecito ¿Qué crees que hace única a la animación stop-motion

Iván Sarrión (IS): En el stop-motion, el mundo que solo ocupaba sitio en tu imaginación, está ahora ocupando 3 dimensiones reales, puedes tocarlo. 

Y siguiendo fuertecito, pero sin dejar de alabar y respetar las muchas vertientes del arte y la animación, me gusta hablar del stop-motion como un “culmen del arte”, por ser la conjunción de muchas artes. Toca el diseño y la escultura del personaje, con todo lo que le rodea; el cine y su tratamiento de la música, color, ritmo...; el uso de materiales comunes para crear; o el arte de la animación en general. Tantos instrumentos artísticos trabajando al compás de una idea, me parece precioso. 

AE: Hace eones, en la primera quedada del grupo Stopmotia en Madrid del 13 de febrero de 2011, te lanzaste a enseñar a un entusiasmado público tus primeros pinitos de animación en plastilina. Algo que al humorista gráfico (y mejor persona) Roger Crunch le recordó a Gumbasia (1955), aquel psicodélico y fundacional trabajo de Art Clokey (creador del hito de la cultura pop estadounidense llamado Gumby). ¿Cómo te dio por la plastilina y qué supuso para ti ver que el público reaccionaba tan bien a tus primeras pruebas? 

IS: No conocía esa opinión de Roger Crunch, muchas gracias por la comparativa. Me gustaría comentar que la quedada de 2011 de Stopmotia fue uno de los hitos más importantes de mi vida, os lo agradezco a todos los responsables. 

Empecé a hacer animación con plastilina por unos amigos con los que pintaba graffiti, como gente creativa no podíamos pasar un segundo sin hacer “algo”, me gustó animar desde el principio y vi que ser animador podía ser un oficio justo en el momento cuando debía decidir “qué quiero ser de mayor”; así me decanté por estudiar en Madrid un curso de animación 3D y por compañeros de este curso conocí vuestra iniciativa. 

Desde luego, vuestro recibimiento hacia mis trabajos caseros me dieron mucha ilusión y ánimo (nunca antes había recibido una crítica de gente del sector). Poco después dejé de lado el CGI para, con mucha suerte y esfuerzo, seguir animando pero tocando los muñecos, sin tanta pantalla y ratón por medio. ¡Gracias por aquel impulso!
AE: Si no me equivoco, tu primer trabajo profesional en este mundillo llega con la primera temporada de la serie valenciana Clay Kids. ¿Cómo entras a formar parte de este importante proyecto? 

IS: Así es. Tras la quedada de Stopmotia empecé a seguir este estupendo blog. Aquí leí que Clay Animation preparaba un curso de formación de animadores para entrar a trabajar en una serie, probé suerte y entré en el curso impartido por David Caballer, aprendí más que nunca antes en mi vida. Tuve como compañeros a gente espectacular como Carla Pereira, Sergio Lara, Kecy Salagnad, Nuria Robles, Manu Rubio, Teresa Pérez, Raúl Eguía, Maria Moreira, Fran Deltell, Juan Soto,… (daría toda la lista pero se haría aburrido, todos gente genial), con esto, entré a trabajar para Clay Animation en la serie Clay Kid con la tutela de David Caballer y Javier Tostado. 

AE: ¿Todavía recuerdas el primer plano que animaste para la serie? 

IS: No es algo que recuerde con especial cariño, creo que tenía que animar a Robbie en el callejón de la serie y él debía tener miedo. Pero tenía mucho más miedo yo, seguro. 

En general, el primer plano de cualquier proyecto me genera un mordisco en el estómago y sólo se va cuando “conozco” al personaje.
Iván dando vida a dos de los adolescentes protagonistas de la serie Clay Kids.
AE: En la nave de Ribarroja del Turia, donde tuvo lugar la filmación de la serie, te tiras desde 2011 hasta 2014. Es decir, te sacas el grado de animador stop-motion con matrícula de honor con un profesorado formado por grandes nombres de la técnica como Javier Tostado, Mike Booth y David Caballer. ¿Qué puedes decirnos de ellos ahora que ya tienes todas las asignaturas convalidadas? 

IS: Fue una muy buena forma de crecer. Y por supuesto, sólo puedo tener palabras de agradecimiento con todos. He recibido muchísimo apoyo por parte del equipo de Clay Animation. 

Con Mike Booth no tuve la oportunidad de trabajar en los mismos turnos, pero sin duda lo considero una gran referencia. Técnicamente espabilado, se las sabía todas. Javier Tostado y Maria Lara han confiado en mí muchas veces y me han ayudado a crecer como trabajador y como persona, son gente dedicada y pasional. Su coordinación y esfuerzo contribuyen muy notablemente a la industria de la animación valenciana. 

Y si tenéis el gusto de conocer a David Caballer podréis entender que siempre ha sido un ejemplo para mí, como profesional y como persona. Me cogió de la mano desde el primer día y espero que nunca me la suelte. ‘Gracies’ David. Además es uno de los pilares de la animación valenciana, siendo responsable de la formación de muchos profesionales actuales del sector. 

AE: Y hablando de docencia. La confianza que Javier Tostado y María Lara, los directores de Clay Animation (productora de Clay Kids), pusieron en ti a la hora de ponerte a formar a los estudiantes de su curso de animadores stop-motion debió de resultar un subidón de la leche. ¿Cuáles son las principales dotes que debe tener un profesor que enseña animación fotograma a fotograma? ¿Y las de un alumno? 

IS: Efectivamente, no puedo dejar de agradecer la confianza que depositaron en mí Javier Tostado, Maria Lara y David Caballer para que co-impartiera el curso de Clay Animation. 

Cuando doy clases, siempre tengo miedo de contar todo desde mi interpretación y bajo mis experiencias, esto es un arma de doble filo, evidentemente intento transmitir todo “lo bueno”, pero mis errores y manías pueden ser heredados también. Por eso me gusta tener otro profesor complementando la clase, con su filtro personal, ese abanico de interpretaciones enriquece la clase. 

Tampoco me gusta decir “esto se hace así”. Y es que depende donde deba aplicar lo aprendido el alumno le servirá o no la experiencia personal del profesor. Por tanto, debemos estar dispuestos a adaptarnos a la necesidad del alumno. 

Como alumno, interés y tenacidad, con esto está garantizada la atención y el apoyo del profesor e incluso del equipo (si se está haciendo prácticas). Nadie nace sabiendo. Probar y volver a probar. Mirar mucha animación frame a frame, viendo que pasa y por qué. Pero sobre todo, insisto, práctica, práctica, práctica. 

AE: Pollo Roto, Santa Crisis, Molecular Zombi,… parece que los ratos libres los dedicabas a más de lo mismo. ¿Hay cura contra el mal del stop-motion

IS: Se disfruta trabajando con colegas. Pero crear o entrar en proyectos extralaborales es la necesidad de seguir creciendo como profesional. Con pocos recursos podemos practicar en casa o participar en proyectos de amigos, y nada es mejor al principio para aprender a animar y trabajar en equipo. Gracias a José Tomás Mira y Sergio Moreno (SuKolega) tuve la oportunidad de crecer como animador en mis inicios. 

Realmente, creo que animar puede ser la cura de los males del animador. Esa insistencia nos hace crecer. 

AE: Valencia lleva siendo el epicentro de la animación stop-motion en España desde hace casi cuatro décadas, que se dice pronto, tal y como se expuso en la magnífica exposición del MUVIM Stop Motion Don’t Stop –en cuyo catálogo recuerdo que te rebauticé-. ¿A qué crees que se debe que en la costa levantina haya este amor por el cine en miniatura rodado foto a foto?

IS: Por suerte hemos tenido a grandes creadores y emprendedores en Valencia, como Pablo Llorens, que han sido referentes de la técnica a muchos niveles. La gente creativa que vive cerca de o en Valencia, siempre hemos tenido facilidad para conocer y trabajar con estos genios, y esta es nuestra virtud. 

Por otra parte (y aunque puede que solo sea casualidad) en Valencia tenemos un oficio relacionado con la escultura y el arte, pero a gran escala, las Fallas. Algunas personas de taller vienen rebotadas de ese mundo; o por ejemplo en mi caso, mi abuelo era “artista fallero” y he recibido mucho apoyo de mi familia para que siga jugando con “ninots”. 

(Por cierto, Juan Sarrión me llamaste, jajajaja) 

AE: Con el director y animador Vicente Mallols y la productora Paloma Mora curraste en 2015 para el cortometraje El Criptozóologo. ¿Cuáles fueron los planos, y las dificultades, a los que te enfrentaste en este film? 

IS: Con Vicente Mallols todo es fácil. Su actitud y forma de dirigir es perfecta para crear el buen ambiente de trabajo que caracteriza todo aquello que toca. A mi parecer, el rodaje transcurrió relativamente normal en aspectos de animación (pero en taller si fue un poco más duro, creo), como anécdota recuerdo cubrir al bigfoot con gomina para que no se movieran caóticamente los pelos. El resto fue “un caramelito” de animar, gracias a Pascual Julián y al equipo de taller. 

AE: Recientemente has vuelto a colaborar con ambos en la serie pendiente de estreno de El diari de Bita i Cora. ¿De qué trata esta sería del canal valenciano À Punt y cuándo podrá verse? 

IS: Paloma Mora ha conseguido una vez más reunir un equipo estupendo, solo tuve la ocasión de estar mes y medio trabajando con ellos, pero fue en estupenda compañía. 

El diari de Bita i Cora (dirigida por Vicente y producida por TV ON Producciones) consta de 26 capítulos de 5 minutos y medio. Cuenta las aventuras cósmicas de una niña (Bita) y su colega azul (Cora) en un planeta con habitantes muy simpáticos visualmente. Ciencia ficción infantil que muy pronto podremos disfrutar en casa. La producción está hecha íntegramente en Valencia, se ha vendido en Latinoamérica y está en negociación con varios países europeos. Además, ¡TV ON ya está preparando la segunda temporada!
Colocando a los personajes de El diari de Bita i Cora. ©Valencia Plaza
AE: Aunque lo cierto es que también con Vicente, y hablando un poco más en general con el estudio que codirige (Pangur Animation), has currado en algunas piezas de animación directamente estrenadas en YouTube. El tema de este tipo de vídeos es curioso porque, generalmente, son un absoluto tedio para cualquiera que disfrute del cine de animación -no así para los niños pequeños-, y la verdad es que veo difícil que el animador disfrute haciéndolos; sin embargo, aquí en España ha sido la herramienta para que mucha gente pueda vivir de la animación stop-motion. Me gustaría saber qué es lo que piensas tú de este tema. 

IS: Es un tema candente y que evoluciona diariamente, tengo opiniones que varían, así que puede que cambie de idea pronto. 

Ahora mismo no me gusta el camino que se está llevando por la cantidad, calidad y moral del producto que algunos canales nos reclaman. 

Pero por otra parte veo algunas ventajas. Por ejemplo, como bien has comentado, algunos hemos podido sobrevivir los periodos sin trabajo gracias a estos vídeos, y mejor aún, también han ayudado a nuevos y futuros emprendedores a encarrilar proyectos personales (en el caso de Pangur, están promoviendo proyectos estupendos actualmente). 

Y aunque artísticamente parezca desalentador (que normalmente lo és), técnicamente es una buena práctica, y no hablo de animación fluida y perfecta, hablo del uso de los tiempos de la narración, como contar una historia con menos. Además, nos obliga a agilizar el proceso de producción (relativamente lento por naturaleza) y creo que esa rapidez y adaptabilidad puede ayudarnos a ser mejores animadores o directores en otros proyectos. 

Así que, mal por el contenido pero bien por la ayuda que nos proporciona. Ojalá no fuera tan morbosa la temática que estos miniespectadores reclaman. Pero, en parte, es curioso ver cómo de rápido está evolucionando el entretenimiento, y no está mal intentar crecer con esta marea o al menos conocerla. 

AE: Uno de los trabajos de tu CV que más me fascinan es el homenaje que le hiciste a la Escola Arts Plàstiques Alzira por su 25 aniversario; pues comparte, con algunos de tus loops de Instagram, el uso de esos frames imposibles tan habituales de ver en el cine en dibujo animado (y conocidos internacionalmente como smears), pero tan raros de ver en animación stop-motion, que confieren al conjunto una elasticidad hipnótica. ¿Cómo surgió la genial idea de introducirlos a la animación en plastilina? 

IS: La primera vez que me dí cuenta que existían los smears fue gracias a María Moreira y a Raúl Eguía en el curso de Clay Animation, desde entonces siempre que el momento me lo ha permitido los he añadido. Da una fluidez muy plastilinosa y son un gran recurso para mostrar movimientos veloces sin perder información. 
AE: Fuera de Valencia has currado para el estudio italiano Dadomani, para el cortometraje inglés ganador del BAFTA A love story (Anushka Kishani Naanayakkara, 2016), e incluso para el afable director burgalés, y tremendo entusiasta del stop-motion, David Castro (cortometraje Elements, pendiente de estreno). ¿Cómo fueron las experiencias lejos de la tierra de la horchata? 

IS: Todas y cada una de ellas fueron experiencias muy buenas. 

El equipo de Dadomani es muy familiar, son gente muy buena como técnicos y personas. Con ellos trabajé con el primer lip-sync modelado por mi que haya salido en pantalla, en este caso en la tv italiana para un anuncio de Kinder (Ferrero). 

Nush Naanayakkara es una persona maravillosa, me apoyó mucho en Inglaterra y gracias a ella me defiendo un poco con el inglés. También fue un buen reto tener que adaptarme a animar algo tan diferente. 

La experiencia con Iñaki Carbonell, David Castro y las alumnas de El Instituto del Cine de Madrid fue genial, me gustó trabajar con gente de ideas tan buenas y con las cosas tan claras. Además, las estructuras de los muñecos eran espectaculares, gracias a las manos de Carlos Padilla. 

Pero aunque suene raro para este tipo de trabajo, ahora mismo me gusta trabajar cerca de casa.

Iván en plena producción de Elements, rodaje que tuvo lugar en El Instituto del Cine de Madrid.
AE: La cantera de animadores de Clay Kids pasado a formar parte de los créditos de los largometrajes stop-motion más importantes del último lustro: Isla de perros, Cavernícola, Anomalisa,… ¿Han venido a buscarte desde alguno de estos grandes proyectos internacionales y has tenido que decir que no o has sido tú el que se ha “escondido” para trabajar más cómodamente desde casa? 

IS: Nunca me han llegado ofertas que no fueran recomendaciones de amigos, por ejemplo, gracias a Thiago Calçado (que es un tío estupendo, coincidimos en Clay Kids T.2) me han llegado algunas ofertas de trabajo buenísimas, pero por desgracia nunca he podido aceptarlas por estar trabajando en otros proyectos. En parte también por suerte, ya que en Valencia ha habido una seguida de trabajos por el impulso de las productoras valencianas. 

De todas formas, como decía antes, de momento estoy cómodo cerca de casa. Pero siempre pica un poco el gusanillo de intentar participar en esas grandes producciones. “Todo se andará” o al menos puede que lo intente. 

AE: ¿Qué películas, de animación (stop-motion o no) y de imagen real, te han y se siguen influyendo?

IS: Creo que es la pregunta más difícil que me haces. Mis referentes van cambiando conmigo y no sé decirte una “bandera” que me represente. 

De todas formas, nunca me canso de ver ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Pero si debo marcar una referencia de estilo que siempre he seguido, no es de una peli, es sin duda Pablo Llorens o en todo caso el estudio Screen Novelties. 

AE: Volviendo a Valencia… ¿la productora Clay Animations pasó a ser Inspirianimation o son dos productoras independientes? ¿A qué fue debida esta refundación? 

IS: No soy el adecuado para preguntar esto, pero puedo decir que Clay Animation está más centrada como productora (series, cortos...) e Inspiranimation como empresa de servicios (anuncios). 

No conozco los motivos concretos de la bifurcación, pero sí sé que han entrado trabajos buenísimos desde entonces, hemos trabajado para empresas como Ubisoft, Hasbro, MaxColchon o Pascual (Vivesoy). Y ha habido una continuidad de encargos que ha permitido ir creciendo como equipo. Así que, al caso, creo que ha sido una buena decisión. Bienvenida.

Colocando los rigs antes de ponerse a filmar el anuncio Just Sleep, de la cadena Maxcolchon.
AE: Inspiranimation se estrena con una serie de anuncios para la compañía de la India Bajaj Electricals donde realizáis un trabajo de diseño y animación absolutamente precioso. ¿Cómo consiguió el estudio este proyecto frente a otros de mayor renombre internacional como House Special o a otros pertenecientes al propio país del cliente? 

IS: Este es otro tema que no domino. Si estos encargos llegan a la empresa es por el esfuerzo diario de Javier y Maria con el departamento de gestión de Inspiranimation. Gracias a su trabajo la productora india “Hungry Films” contó con el equipo para este proyecto. 

Desde la parte de animación, solo tuvimos que disfrutar animando este precioso proyecto de personajes con ropa de papel, inspirado en el estilo de la peli El Principito . El departamento de taller, encabezado por Lucía Martínez y Emma Owen, nos facilitó mucho el trabajo para animar estos muñecos tan delicados. Y no puedo olvidar el gran trabajo de edición que María Briones hizo para conseguir el aspecto final de los anuncios. 

AE: De lo ultimísimo que he visto que has animado ha sido… ¡para un videojuego! Cuenta, cuenta… 

IS: Fue una locura, pero genial, nunca había tenido que luchar contra tantos loops. Trabajamos sobre una coreografía que tuvimos que diseccionar y convertir en pequeños bucles, cada uno de ellos debía aparecer en diferentes momentos del juego y con diferente luz, así que tuvimos que fotografiar hasta con 8 iluminaciones diferentes cada fotograma (con una opción de Dragon Frame). 

Pablo Masip y la gente de taller crearon un personaje que fue un gustazo animar. Y el diseño de Rosa Ballester le dió una personalidad muy característica al personaje.


AE: Y para ir terminando. ¿En algún momento del futuro próximo te planteas llevar a cabo un cortometraje de autor? 

IS: Aunque entré en este mundo por la “motivación artística” de crear historias, confieso que me perdí casi desde el principio pateando el fantástico apartado de la técnica, puede que como animador, modelador o dibujante (son las modalidades artísticas que más me motivan) nunca dejes de aprender... es adictivo. 

Por eso no veo el momento para centrarme en una historia. Pero, por supuesto, me encantaría poder contar una historia mía, la que sea, cuando o como pueda. Creo que me gustaría hacer un proyecto centrado en la técnica, intentar seguir tirando del carro del arte siempre me ha motivado. No lo sé, pero quieto no voy a estar. 

¡Gracias por la entrevista Adrián!

AE: Un placer, Iván. Gracias a ti por extenderte en las respuestas.

martes, 14 de agosto de 2018

SECRETS D'ANIMATEUR, el librazo de Julia Peguet

Desde Francia, y gracias a la editorial Pyramyd, nos llega Secrets d'Animateur, el libro en el que la animadora Julia Peguet cuenta todo, absolutamente todo, lo que un animador amateur necesita saber para meterse de lleno a tirar los miles de frames que le harán convertirse en un profesional de la técnica stop-motion.
Peguet es una de las principales animadoras de nuestra adorada Aardman, empresa que ha confiado en sus manos para dar vida a la oveja Shaun, al Pirata Capitán, a Gromit, a Purple & Brown e incluso a Dug, el cavernícola protagonista de la última epopeya plastilinosa del estudio. Doce años de profesión que ahora traslada a un libro de gran formato.
Dentro de sus tapas blandas encontraremos un libro de conocimientos básicos (los 12 principios de la animación, los arcos, el timing, cómo sujetar un muñeco al set,...), consejos valiosos (cómo crear efectos especiales sin usar ordenador, cómo transmitir emociones a través de un humanoide de plastilina de 30 cm de altura,...) y ejercicios tras cada lección (con las respuestas al final, claro).
Cientos de fotos, esquemas e ilustraciones copan sus 240 páginas, impresas a todo color en un papel de gramaje considerable. En definitiva, una apuesta editorial que no puede faltar en la biblioteca de cualquier animador stop-motion en potencia. -PVP: 39 €- 

sábado, 11 de agosto de 2018

GOD I NEED A GIRLFRIEND (Stefan Janoski, EEUU, 2018)

Convertirse en Staff Pick de Vimeo no es tarea sencilla, pero mucho menos lo es ser el vídeo premiere de la semana, algo que el escultor californiano Stefan Janoski consiguió hace tres días con un cortometraje de animación stop-motion. 

Aunque su obra ha estado expuesta en galerías de arte de lugares tan emblemáticos como Londres, Nueva York, Hong Kong, Kansas City o Encinitas (California), Janoski no ha dejado que su creatividad quedase embebida en una vitrina. Muestra de ello es que tras crear la escultura de bronce God I need a Girlfriend se puso en contacto con el estudio Movie Mountain para llevar la historia de la figura estática a la cuarta dimensión. Cuatro meses de trabajo bajo la dirección de Foster Huntington dieron como resultado una preciosa obra de tres minutos de atmósfera agobiante, incluso por momentos desagradable, pero cuidada hasta el más mínimo detalle.


Dirigido por: Foster Huntington
Producido por: Stefan Janoski y Jessica Janoski
Historia: Stefan Janoski
Construcción de escenarios: Kai Korsmo, Shelby Menzel, Matt Emmons, Tim Yates, Alexa Shreck, Tim Huntington y Stefan Janoski
Construcción de puppets: Stefan Janoski, Kai Korsmo, Matt Emmons y Mattzilla Duron
Animación: Jeremy Murphy 
Director de fotografía y edición: Matt Emmons




jueves, 9 de agosto de 2018

EL SUEÑO (más bien la pesadilla) DE PINGU (1990)

Durante la primera temporada de la mítica serie infantil de animación en plastilina Pingu, el director y creador de la misma Otmar Gutmann (Alemania, 24 de abril de 1937 - Suiza, 13 de octubre de 1993) dio rienda suelta a su imaginación sin autoimponerse las barreras de la corrección política, a través de escenas en las que se hacían referencias claras al alcoholismo, a la incontinencia urinaria, e incluso a la violencia. Aquello le llevó a que la serie se encontrara con la censura en algunos países como Inglaterra o Estados Unidos -los fragmentos, por suerte, fueron guardados y rescatados en posteriores ediciones en DVD-. Esa libertad con la que trabajaba Gutmann dio pie a crear algunos monstruos bastante malrolleros.
Los primeros seres que pondrían nerviosos a la censura encargada de la programación infantil llegaría con el capítulo 14, Pingu Runs Away (Pingu se escapa); unas inquietantes figuras terroríficas con las que la noche helada daba un escarmiento al protagonista por huir de su casa.

Algo absolutamente chorra para lo que le esperaba a Pingu en la última aventura de la primera temporada. En aquel capítulo 26, titulado Pingu's Dream (El sueño de Pingu), el famoso pingüino se mete en la cama y empieza a soñar. Su iglú empieza a tambalearse, hasta que de pronto desaparece y se ve, sobre su cama, en medio de la planicie helada. En un claro homenaje al Little Nemo in Slumberland de Winsor McCay, Pingu se transporta sobre su somier de cuatro patas hasta que de pronto aparece una enorme morsa. Por desgracia, la voracidad del mamífero no se ve satisfecha con la ingesta del colchón, que engulle cual barrita de chocolate; actor seguido perseguirá a un Pingu que se despertará de la pesadilla en el momento de mayor tensión narrativa.



Esta figura, algo inconexa con respecto al diseño y apariencia plastilenoide del resto de personajes de la serie, apareció anteriormente en tests animados realizadas por Guttman -tal y como se demuestra en el segundo 42 de esta fascinante reel:

martes, 7 de agosto de 2018

The Primevals, la joya perdida de Dave Allen, se estrenará en 2019

A finales los sesenta el animador stop-motion Dave W. Allen, que se convertiría en las tres décadas siguientes en el responsable de gran parte de aquellas alucinantes animaciones de monstruos que poblaban las películas de terror y ciencia ficción (normalmente de corte B), tuvo la idea de desarrollar una aventura fantástica con la siguiente sinopsis:

En la I Guerra Mundial, tras un bombardeo en Londres, un grupo de prisioneros aliados se embarcan en un zeppelín hacia Groenlandia, pero lejos de lo esperado encuentran una tierra tropical entre las heladas tierras árticas. Uno de los hombres del grupo decide salir a explorar en un aeroplano que forma parte del zeppelín, pero es atacado por unos pterodáctilos que logran estrellar la avioneta contra el suelo. El resto del grupo conseguirá aterrizar en esta extraña tierra y se encontrarán con que es habitada por guerreros vikingos y malvados hombres-lagarto.
Dave Allen y uno de los hombres-lagarto.
Este proyecto, titulado Raiders of the Stone Rings, no acabaría por encontrar un inversor interesado, pero Dave Allen siguió trabajando en él en los tiempos libres que le dejaban sus contribuciones a films como When Dinosaurs Ruled the Earth (Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, 1970) o The Crater Lake Monster (El monstruo del lago, 1977), creando algunas maquetas y modificando el guion -básicamente eliminando al zeppelín, a los vikingos y a los pterodáctilos y añadiendo a un grupo de cavernícolas, robots controlados por los hombres-largato y a un enorme y peludo Yeti, algo que a todas luces surgió como homenaje al King Kong de 1933, su película favorita de todos los tiempos-. Su título sería modificado hasta quedar en el definitivo The Primevals.

Esta vez Allen si encontró un par de interesados: Albert y Charles Band, padre e hijo jefazos de la productora Empire y de la posterior Full Moon. Sin embargo el acuerdo de producción del film establecía que primeramente Allen debía trabajar como creador de efectos visuales en varias películas de las productoras de los Band.
Dave Allen animando al Yeti
Los años pasaron entre obras mediocres, aunque de efectos especiales alucinantes, como Robot Jox (1989) o Doctor Mordrid (1992), antecedentes directos de las modernas Pacific Rim y Doctor Extraño -respectivamente-, hasta que en el año 1994 se dio luz verde al proyecto; rodándose a continuación las tomas con actores en un pueblo cercano a los Cárpatos, en Rumanía. Sin embargo, a la vuelta del rodaje la producción se vio truncada por problemas económicos en Full Moon; siendo retomada dos años después con un presupuesto para los efectos especiales totalmente ridículo.

Aun así a Dave Allen le dio igual y siguió trabajando en sus ratos libres en las escenas animadas, ayudado por Chris Endicott y Kent Burton, llegando a realizar un total de 200 tomas antes de verse envuelto en el diagnóstico de un cáncer que acabaría con su vida en 1999. El trabajo de efectos especiales no fue suficiente para terminar el enorme trabajo de tantos años, y el proyecto acabó perdido en un cajón del despacho de Band... 
David Allen, el actor Kevin Mangold y el artista de efectos especiales Jeff Farley 
Hasta hoy.

La pasada semana, en la Flashback Weekend de Chicago, Charles Band anunció que estaba trabajando para terminar la película y estrenarla, por fin, el próximo 2019. No queda claro, ni en los anuncios que se mueven por las webs ni en las redes sociales, si finalmente harán un montaje con todo lo rodado en los noventa o si se realizarán las secuencias de animación que quedaron inconclusas; pero sea como sea es una noticia que muchos seguidores del trabajo de David Allen llevábamos años esperando. 
Póster promocional de The Primevals