miércoles, 27 de marzo de 2013

STOP MOTION DON'T STOP: TODA LA INFO

Al lorito con el cartel y la info de la expo sobre el stop-motion que va a dar que hablar por (al menos) una década... (yo ya estoy preparando las maletas).
Valencia es pionera en las producciones de animación con plastilina STOP MOTION o CLAYMATION. A finales de los 80 surgen los profesionales y poco después las productoras que durante años copan la mayoría de las producciones, el reconocimiento y posteriormente los premios.
El MuVIM quiere ofrecer al público valenciano la posibilidad de conocer a tres de los estudios más importantes de este género: Javier Tostado (Clay Kids Animation), Pablo Llorens (Potens Plastianimation) y Sam (Conflictivos Productions), ganadores de premios Goya e internacionales. Podemos ver tantos sus creaciones como el rodaje de una película en directo.
HORARIO
De martes a sábado, de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 hrs.
Domingos y Festivos, de 10.00 a 20.00 hrs.
Exposición permanente de martes a domingos, de 10.00 a 14.00, y las tardes de martes, miércoles y sábados de 16.00 a 20.00 hrs. Necesita reserva previa.
FECHAS: Del 18 de Abril al 26 de Mayo de 2013.


miércoles, 13 de marzo de 2013

Click: Trailer, Fotos, Comentarios,...


Click, el corto con el que Citoplasmas llevan dejándose la piel desde hace muchos meses y del que hablé en una entrada anterior, ya tiene trailer oficial.



Irene Iborra, uno de los componentes de esta productora catalana, me ha escrito para aportar algo más de info sobre el corto y de paso regalar a los seguidores del blog de algunas fotos nunca publicadas. Espero que lo disfrutéis.

Técnica, animación stop motion: artesanía y tecnología
El pez y su particularidad impusieron la técnica del cortometraje: un muñeco y un actor frente a frente, ambos animados fotograma a fotograma, en decorados reales a tamaño natural. Un desafío técnico y económico para un estudio de animación independiente como Citoplasmas.

La animación stop motion, llevada a cabo en este cortometraje, aúna el trabajo manual y artesanal con la tecnología. Por una parte, la construcción de muñecos y decorados con materiales diversos como plastilinas, siliconas, plásticos, madera, etc...

Por otra, la utilización de cámaras reflex de fotografía de última generación, junto con brazos articulados, así como maquinaria para realizar todo tipo de movimientos de cámara (panorámicas, rotaciones, travellings…). Y aunque la mayoría de efectos especiales se han conseguido según la tradición del cine stop motion (ej. los primeros capítulos de la saga Star Wars), en momentos puntuales no hemos renunciado a las ventajas del croma. Sobre todo en los planos exteriores, porque al ser la animación del pez tan lenta no era posible mantener un buen raccord de luz.

La mezcla de muñeco y actor, artesanía y tecnología, persigue un objetivo, el de hacer creer que ese pez puede irrumpir en el suelo de tu casa un día de estos, confundir fantasía y realidad sin complejos.


Click en cifras.
13 minutos de duración, 18.720 fotografías, alrededor de 120 planos, 2 años aprox. de producción desde el guión inicial a la copia final, un equipo de 10 -15 personas...

Las cifras y los tiempos de este cortometraje abruman, pero han sido los necesarios para llevarlo a cabo en un contexto económico y social complicado.

La idea inicial surgió en Octubre del 2010. En marzo de 2011, conseguimos montar un dossier de proyecto con una primera versión del guión, diseño y turn-around del personaje del pez, presupuesto aproximado, y una memoria de producción. 

En septiembre de 2011 empezamos la pre-producción en toda su amplitud. Seleccionamos al equipo técnico, elegimos al actor y, mientras empezamos a construir muñecos y decorados, seguimos dándole vueltas al guión.

Cinco meses después, en febrero de 2012 con el storyboard definido y un plan de producción muy ambicioso, empezamos a animar. Un año intenso de animación, en el que hemos tenido que lidiar con los vaivenes del actor no profesional, no acostumbrado a mantener la misma posición del cuerpo durante más de cuatro segundos. Un año durante el cual hemos ejercitado toda la paciencia que necesita realizar una animación por morph, es decir, cambiar modelando la expresión del pez
de plastilina, entre un fotograma y el siguiente, para generar la sensación de movimiento fluido. Un año desafiando la complejidad de animar al mismo tiempo los movimientos de cámara y el pez, sin contar con el cansancio de mantener un buen nivel de animación durante un periodo tan largo.

Y por fin, en marzo de 2013 empezamos la post-producción: edición de imagen, grabación y edición de sonido, composición de la música, retoques, etc… Esperando acabar a finales de abril 2013 y tener el cortometraje listo para su visionado en festivales.

lunes, 11 de marzo de 2013

De la Alianza con Se Lo Explico Con Plastilina al Artista de la Semana: Webster Colcord

Esta semana tengo el placer de anunciar la alianza de Puppets & Clay con Se Lo Explico Con Plastilina? (SLECP), un espacio de difusión creado y dirigido por el buen amigo Edgar Humberto Álvarez. Esta unión se forja para tratar de forma conjunta temas relacionados con el stop-motion y la plastilina en general, empezando por acciones como El Artista de la Semana, en el que ahondaremos en un animador, escultor, creador de armaduras,... del mundo del stop-motion desde SLECP como desde este espacio. Por ello quiero recomendaros que os paséis por el blog y la página de facebook de SLECP, pues seguro que os va a gustar el contenido.

No desesperéis los más puristas amantes del blog, aunque la semana esté dedicada a una figura concreta del universo stop-mo, no quitará para que suba otro tipo de material como análisis de cortos, peticiones que hagáis los lectores (recordad mandarlas a puppetsandclay@gmail.com), o los ya míticos video-clips musicales de los viernes.

Sin más dilación paso ya al tema del artista de esta semana (11/03/2013 a 18/03/2013), el estadounidense Webster Colcord. Webster se inició trabajando en Will Vinton Studios, donde dió vida a las California Raisins o a Spike (el conejo alter-ego de Michael Jackson en el mediocre film Moonwalker). Entrados los 90, entró a formar parte del equipo de animadores que reclutó Henry Selick para llevar a cabo su particular adaptación del éxito de Roald Dahl, James y el Melocotón Gigante. A partir de entonces se enrocó con su buen hacer en el terreno de los efectos digitales, pasando por cintas como Evolution, Minority Report, The Host, Piratas del Caribe, Noche en el Museo,..., y más recientemente The Spirit, Linterna Verde y Ted.

Metiéndonos de nuevo  en el terreno stop-motionero, repitó con Selick en el rotundo descalabro comercial, Monkey Bone, animó a Machete, Eminem y Ozzy Osbourne en el regreso al stop-motion de los anuncios de la bebida enlatada Lipton Brisk, trabajó en el especial de navidad de la famosa seria Community, e incluso ayudó a Justin Kohn en su loca versión (no terminada) de La Guerra de los Mundos.

En 2010 este espacio vio publicado un homólogo en papel y en formato fanzine con el que compartía el nombre de Puppets & Clay. Una locura que me trajo mucho trabajo y alegrías a partes iguales, que recogía en sus páginas finales una entrevista con el que es El Artista de la Semana. Hoy rescato esa entrevista y asimismo añado el texto original en inglés por si algún lector internacional tiene a bien leerlo.


1) ¿Cuál es tu largometraje de stop-motion favorito? 

¡Pensar uno! -Me gustan muchas películas de imagen real que incluyen animación stop-motion como un efecto especial, como por ejemplo las cintas de Willis O’Brien: King Kong, Son of Kong y El gran Gorila, ya que tienen una estupenda atmósfera y poder visual. También me encanta la oscura Freaked de Alex Winter y 7 Faces of Dr. Lao de George Pal. Adoro también las cintas de bajo presupuesto con escenas de stop-motion como efecto visual – de hecho esas escenas normalmente son la única parte buena de la película. Desafortunadamente la mayoría del trabajo de David Allen se encuentra en este tipo de largometrajes – como los de Puppetmaster. Si, por otro lado, debo elegir una película totalmente animada en stop-motion creo que escogería Pesadilla Antes de Navidad o La Maldición de las Verduras. 

2) ¿Y corto? 

Me encanta Prehistoric Beast de Phil Tippet. ¿qué más? ¿qué más?... Oh, Slow Bob in the Lower Dimensions de Henry Selick, The Cat With Hands, Hilary de Anthony Hodgson, los cortos Tuby the Tuba y Phillips Cavalcade, los microcortos japoneses de Domo Kun, así como las series que Richard Goleszowski realizó para Aardman (véase Rex the Runt), Insect Poetry de Marilyn Zornado, Prometeus Garden de Bruce Bickford y The Sand Castle de Co Hoedman. Podría seguir y seguir, aquí solo hay unos pocos de los que me gustan. 

3) ¿A quién consideras el mejor animador stop-motion? 

En términos de su valor en torno a todo el cine, su inventiva, y por el volumen y la calidad de su trabajo siempre he admirado Ladislaw Starewicz. Y cuanto más aprendo 

sobre él, mi admiración se profundiza más y más. Además hay una larga lista de actuales o casi jubilados artistas que yo fuertemente admiro, incluidos muchos con los que he tenido el privilegio de trabajar. Estoy hablando de Ray Harryhausen, Phil Tippett, Jim Danforth, el fallecido David Allen, Bruce Bickford, Tim Hittle, Justin Kohn, el difunto Paul Berry, Trey Thomas, Anthony Scott, Tom Gibbons, Joan Gratz, John Ashlee, Jeff Mulcaster, Teresa Drilling... la lista sigue y sigue.


4) ¿Cuál es tu trabajo más personal? 

Disfruté mucho realizando la pequeña y especialmente oscura secuencia de anima-ción experimental que hice en el Vinton Studio para el videoclip de la canción de Roger Waters: "What God Wants". Animé el esqueleto de una rana arrastrándose a través de unas trampas para ratones que se transformaba en un aparato de televisión. Para mí ha sido siempre un punto importante en mi carrera. Desde hace años llevo pensado en volver a realizar animación experimental, pero he tenido que realizar animación basada en personajes la mayoría de este tiempo. Estoy verdaderamente orgulloso de la serie de anuncios que realicé para la campaña de la zapatillas Converse: "Touch EFX", que aunque sean anuncios publicitarios son muy personales. Además, mi miniserie titulada “Mad Doctors of Borneo” es mi trabajo personal continuo, que tiene una atmósfera que impacta a mucha gente, siendo yo el responsable total de esa apariencia y el contenido del mismo. 

5) ¿Cuál es la secuencia más complicada de tu carrera? 

Es difícil de decir, cada proyecto ha tenido sus propios desafíos. Ciertamente Monkey-bone tenía un alto grado de dificultad por el hecho de realizar la integración del stop-motion con la imagen real. Muchas de las escenas que duraban varias semanas se desarrollaban bajo intermitentes luces ultra-violeta para iluminar la pantalla azul, pero que suponían un trabajo duro para el animador ya que esta luz afectaban tu psique. Recuerdo dos shots en los que trabajé con los roedores atropellados por la montaña rusa que fueron los más difíciles, y ya no solo por lo complicado de la animación. Son escenas que realicé con Justin Kohn y que fueron casi totalmente eliminadas de la versión final de la película. 

6) ¿Qué libro has usado para ayudarte a la hora de animar? 

He usado muchos, en particular cuando era un crio consultaba The Animation Book de Kit Laybourne y Cartooning de Johns Adkins Richardson. Más adelante, en mi carrera profesional usé como referencia Timing for Animation y recientemente The Animator’s Survival Kit de Richard Williams. La versión en DVD del libro de Richard Williams es realmente inspiradora. Mi madre trabajó como bibliotecaria durante muchos años, así que en cierto modo me crié en una biblioteca.



7) A la hora de trabajar con muñecos, ¿con qué material te sientes más a gusto? 

Prefiero la plastilina porque da al animador un mayor grado de control para modificar la forma del personaje al mismo tiempo de ser un objeto real en 3 dimensiones que re-acciona a la luz en tiempo real. 

8) ¿24 fps ó 12 fps? 

Como muchos animadores, encuentro que la animación en dobles (12 fps) trabaja mejor a la hora que realizar la animación de la boca para que los personajes hablen. Pero suelo mezclar ambos muchas veces – Puedo realizar la animación de la boca en dobles y el cuerpo en simples (24frs) o realizar todo el personaje en simples cuando la cámara se acerca a hacer un primer plano, cambiando a dobles si la cámara se aleja y no hay una gran cantidad de movimiento. La animación en dobles es en ocasiones más complicada que en simples por el hecho de que debes ser más preciso a la hora de realizar los incrementos. 

9) ¿A qué edad decidiste dedicar tu vida a este medio? 

Yo no diría que he dedicado toda mi carrera a la stop-motion, soy un animador multimedia desde el principio, que ha probado con todo tipo de animación. Ahora estoy haciendo Imagen Generada por Ordenador que es lo que me permite vivir, pero siempre he preferido la animación de dibujos animados y el stop-motion para mis trabajos personales. Empecé a probar a realizar animación stop-motion a una edad muy temprana – probable-mente alrededor de los 12 años estaba haciendo flip-books, hasta que me lo tomé más en serio cuando cumplí 16. 

10) ¿Cómo definirías el stop-motion? 

Este término proviene de los primeros días del cine, donde pioneros como George Melies, J. Stuart Blackton y la Edison Company descubrieron que parando la cámara y sustituyendo elementos de la escena podían crear efectos visuales. De hecho, la primera vez que se utilizó fue en “The Execution of Mary Queen of Scots” por la Edison Company. Cineastas de la época llamaron a la técnica “stop-action” – ya que literalmente se paraba la acción de una escena para realizar la sustitución, para después recomenzar a rodar con la cámara. Poco después, la idea evolucionó y paso a usarse no solo para sustitución sino para lograr una sensación de movi-miento con un objeto inanimado. Es una manera fácil de conceptualizar el proceso. 

Así los puppets están, en esencia, creados para moverse en el espacio físico real, que debe estar roto en incrementos o paradas.



-------------------ENGLISH VERSION OF THE INTERVIEW-------------------------------------------

1) What are your favorite stop-motion feature film?

That's a tough one - I like a lot of live action films that feature stop-motion animation as an effect, like Willis O'Brien's King Kong, Son of Kong, and Mighty Joe Young - which have enormous atmosphere and power. I also like the rather obscure Alex Winter film Freaked, and George Pal's 7 Faces of Dr. Lao. I also like a lot of low-budget movies which feature stop-motion in short effects sequences - those sequences usually being the only good part of the movie. Unfortunately much of David Allen's work can be found in those films - like the Puppetmaster movies. But as far as fully animated feature-length stop-motion I would have to elect either Nightmare Before Christmas or Nick Park's Curse of the Were-Rabbit.

2) And short film?

I really love Phil Tippett's Prehistoric Beast. What else? Oh, Henry Sellick's Slow Bob in the Lower Dimensions. The Cat With Hands. Anthony Hodgson's Hilary. George Pal's Tubby the Tuba and his Phillips Cavalcade. The Japanese Domo interstitials. The Aardman series by Richard Goleszowski, Rex the Runt. Marilyn Zornado's Insect Poetry is a beautiful film that I love. Bruce Bickford's Prometheus' Garden. Co Hoedman's lyrical film, The Sand Castle. I could go on and on, but there's a few.

3) Who is your best stop-motion animator?

In terms of his all-around filmmaking prowess, inventiveness, volume and quality of his working I have always admired Ladislas Starevitch. And the more I learn about him, the more my admiration for him deepens. And of course there's a long list of current and quasi-retired craftspeople who I greatly admire, including many whom I've had the privelege to work with - namely Ray Harryhausen, Phil Tippett, Jim Danforth, the late David Allen, Bruce Bickford, Tim Hittle, Justin Kohn, the late Paul Berry, Trey Thomas, Anthony Scott, Tom Gibbons, Joan Gratz, John Ashlee, Jeff Mulcaster, Teresa Drilling... the list goes on and on.


4) What is your more personal stop-motion work of your career?

I really enjoyed the sort of dark, experimental animation that I did at the Vinton studio for the Roger Waters music video "What God Wants". I animated a frog skeleton crawling across some mousetraps, morphing into a television set. That's always been a personal high point for me. I've been meaning to get back to more experimental animation like that for years, but I have remained doing character-based animation for the most part. I'm extremely proud of the series of commercials that I did for Converse "Touch EFX" shoes - even though they're commercials, they felt very dear and personal to me. My "Mad Doctors of Borneo" short series is my ongoing personal work, it has a very narrow aesthetic that turns off a lot of people, but I'm entirely responsible for the look and content of those.

5) What was the most dificult scene to make in stop-motion in your career?

It's hard to say, each show has had their own unique challenges. Certainly Monkeybone had a high degree of technical difficulty because of the integration of the stop-motion puppets to the live action. In several of those shots we were animating for weeks at a time under intermittent ultraviolet lights to illuminate the bluescreen. That really took a toll, the lights affect your psyche. So I would have to say that two shots that I worked on with the roadkill rodents in Monkeybone were the most difficult; but not just because of the animation challenge. One of those shots I animated with Justin Kohn and the characters were almost entirely cut from the film. I've attached a couple of photos from that.

6) Did you use any book to help you in the animation process?

Many books, particularly (as a child) The Animation Book by Kit Laybourne and Cartooning by Johns Adkins Richardson. Later in my professional career I've referencedTiming for Animation quite a lot and currently I'm referring back to The Animators Survival Kit by Richard Williams quite a lot. The DVD version of Richard Williams' book is quite inspiring. My mother worked as a librarian for many years and so I sort of grew up in a library.



7) When you animate a puppet, what material preffer (clay, wood, latex,...)?

I prefer clay because it gives the animator the greatest degree of control to alter the shape of the character while at the same time having the advantage of being an actual 3-dimensional object that reacts to light in real time.

8) 24 or 12 fps?

Like a lot of animators, I have found that animating on two's (12 fps) in clay works better for lip-sync. But I mix it up a lot - I might do the lip-sync on two's and the body on one's or do the entire character on one's when it's close to camera, switching to two's if the camera pulls back and there's not a lot of overall movement which might strobe. Animating on two's is sometimes more difficult than one's because you've got to be more precise about your increments. 

9) How many years had you when decided to dedicate your life to stop-motion?

I wouldn't say that I've dedicated my entire career to stop-motion, I've been a multi-media animator since the beginning; trying out cel and variations on the stop-motion technique such as strata-cut. Now I'm doing CG for a living but I've always preferred cel and stop motion for my personal work. But I started trying to do animation at a very early age - probably around 12 years I was doing flip-books, getting serious about it around the age of 16.

10) How you define stop-motion?

The term comes from the early days of film; film pioneers such as the George Melies, J. Stuart Blackton and the Edison Company discovered that by stopping the camera and substituting elements of the scene they could create effects. Historically this was first used in The Execution Of Mary Queen Of Scots by the Edison Company in 1895. Filmmakers of the day called this technique "stop action" - because they would "stop the action" of a scene in order to do the substitution, then re-start the camera to resume the action. Soon after, the idea would evolve and be used not just for substitution effects, but also to achieve a sense of movement with an otherwise inanimate object.

It's an easy way to conceptualize the process as well; that the puppets are indeed going through the motions in real physical space - broken down into increments, or "stops".

viernes, 8 de marzo de 2013

Joan Colomo - Perdut (Joan Martín, España, 2013)


Este viernes os traigo un videoclip realizado con animación “cut-out”por el amigo y animador stop-motion, Joan Martín Giménez. El tema es "Perdut" del cantautor catalán Joan Colomo, incluido en su CD “Producto interior bruto Vol 2.”

Sinopsis: Hay etapas de nuestra vida en que nos sentimos perdidos, es entonces cuando debemos iniciar nuestro propio viaje en busca de quien somos y de cual es nuestro lugar en el mundo.



El propio Joan me ha escrito al correo del blog (puppetsandclay@gmail.com) para contarme el cómo y porque de este trabajo:

"Joan Colomo es quién en su momento me hizo la banda sonora de El Vespre y me sacó de un buen apuro ya que por entonces no conocía ningún músico. Lo conocí a través de Xavi García que es amigo y miembro de su grupo. Joan me hizo un favor enorme y mi intención desde entonces ha sido devolvérselo, pero no de cualquier forma, quería ofrecerle un producto del que se pudiera sentir orgulloso, así que cuando terminó la grabación de CandyHearts me puse a trabajar en su videoclip.

El principal reto a la hora de hacer el videoclip fue la técnica en si, que era semi-nueva para mi, pues hace tiempo ayudé a una amiga ha hacer un pequeño corto en cut-out. Al principio era un poco engorroso el tema de los metacritalos y tuve muchos problemas para componer la luz, al principio me salían sombras que no deberían estar allí, reflejos y muchas cosas más a parte que conseguir crear la sensación de mundo abierto era a ratos complicado. Con el tema luz recurrí a George Restrepo, fotógrafo que ha colaborado en mis dos anteriores trabajos, el cual consiguió poder dirigir una luz por nivel (metacrilato) sin que se invadieran entre si. Uno de mis grandes intereses era poder trabajar con la luz y crear un mundo más atmosférico, de luces y sombras y este nuevo sistema facilitó mucho las cosas.

Los fondos y diseños de personajes lo hicimos entre cuatro personas, Tamara Hernandez Ledesma, Gabriel Barbabianca, Paula Cuadros y yo. Una de las dificultados a la hora de hacer fondos y diseños fue unificar estilos, que no parezca a cada escena un “mundo” distinto.

Otro reto fue la parte de pixilación, también era algo nuevo, pero resulto ser más fácil de lo que me esperaba, la grabación duro un par de días escasos. La construcción del escenario no tuvo ningún secreto, tan solo que la ventana que aparece no es una ventana, sino una puerta con una persiana que la disimula, con esto pudimos hacer que entrara la luz que deseábamos de forma controlada. El único que sufrió aquí fue el actor."
  • Música: Joan Colomo.
  • Dirección, guión, montaje y storyboard: Joan Martín Giménez
  • Producido por: Joan Martín Alarcón y Joan Martín Giménez.
  • Animación: Tamara Hernández Ledesma, Joan Martín Giménez.
  • Fotografía: George Restrepo, Joan Martín Giménez.
  • Ilustración: Tamara Hernández Ledesma, Gabriel Barbabianca, Paula Cuadros y Joan Martín Giménez.
  • Artista dormido: Arnau Hernández Ledesma.

miércoles, 6 de marzo de 2013

El Colectivo Engranaje se mete en El Ascensor


La estupenda seguidora Carla Pereira, currante en el megaproyecto de la primera temporada de la serie de animación stop-motion valenciana Clay Kids, me ha escrito esta mañana un mail para hablarme del nuevo proyecto de animación dimensional en el que el Colectivo Engranaje esta metido. Su nombre: El Ascensor, y acaban de sacar a la luz un teaser para ponernos (a los fans del frame by frame) con los dientes rayando el parqué.



"Todo el teaser está hecho en un mes. diseño de personaje, construcción de muñeco y decorados, animación, iluminación, postproducción, música... todo. Rocío (Rocío Company, equipo de postpo) me llamó y me contó una idea acerca de un sueño recurrente que tenía en el que cogía un ascensor y el ascensor de pronto empezaba a caer. Algunas veces se detenía antes y otras se destrozaba contra el suelo. Me contó que la sensación de cercanía de la muerte era muy vívida, muy intensa. Ella quería plasmar ésa sensación en el corto y quería hablar de los sueños y la muerte.


Eso sí, me dijo que teníamos un mes para hacerlo todo, ya que la idea era que fuera su proyecto de final de máster de postproducción. Acepté sin dudarlo porque la idea me fascinó.

Primero se lo propuse a Juanfran (Juanfran Jacinto, decorados), después llamé a Albert Mejías para preguntarle si quería hacer la música y también aceptó porque el proyecto le gustó mucho. Al cabo de unos días éramos un equipo de gente con ganas que nos pusimos manos a la obra de manera casi frenética.



Cuando le enseñé a Juanfran los varios bocetos para el diseño del personaje señaló de inmediato el número 11. Se le había ocurrido una idea al mirar ése dibujo, la idea era usar la parte de arriba de un desodorante roll on, hacer un pequeño agujerito en la bola e introducir un palo unido a la cabeza de resina. Ése diseño le proporcionó al personaje un movimiento basculante de la cabeza muy perturbador que nos encantó...



Como curiosidad decir que trabajamos incluso el día de nochevieja! al final éramos un montón.. Leticia González, una de las amigas que colaboró en la iluminación, viajó desde Málaga!

El reto ahora va a ser rodar el corto entero. Alberto Pérez, uno de los chicos de postpo, propuso un estupendo estudio que tiene encima de su casa para rodarlo allí. Y la idea era subir el teaser a crowfounding para sacar algo de dinerito. Entre otras cosas nos gustaría tener un rig decente, el que usamos en el teaser lo fabricó Juanfra-McGyver con el brazo flexible de una lámpara y un peso de pescar en el otro extremo, jiji."


Aun sin fecha de finalización estoy totalmente ansioso de saber más sobre este interesante proyecto, que sin duda volverá a ocupar portada en este blog cuando este terminado.


lunes, 4 de marzo de 2013

Blues Brothers 2000 (John Landis, Estados Unidos, 1998)

Blues Brothers 2000 supuso el regreso más infame de una de las películas que más han marcado infancia, adolescencia y madurez (si es que eso me ha llegado). Después de infinitas veces de ver en un VHS la Blues Brothers original en el salón de mi casa al lado del bueno de mi hermano, llegó en 1998 esta segunda parte que me permitía no solo disfrutar de nuevos temas de la banda de Chicago, sino verlos dentro de la magnificencia de una pantalla de cine. Eso lo tuvimos, por supuesto, pero es que el resto de la película, el hilo conductor de la misma, había perdido todo lo bueno de la original, aquello que  haría de John Landis todo un referente en los primeros ochenta, gracias también a monumentales films de culto como Un Hombre Lobo Americano en Londres (1981) o Entre Pillos Anda el Juego (1983) que su mente creo en aquellos años.

Sin embargo, a la entrada de los noventa la magia del barbudo de Landis se convirtió en absoluta torpeza narrativa dentro de comedias que  no harían gracia ni al más bobo de entre los bobos. Oscar, ¡quita las manos! (1991), La familia Stupid (1996) y Blues Brothers 2000 (1998) son grandes ejemplos de esta decadencia. Pero no todo va a ser malo, no. Dentro de estas cintas de los noventa Landis dejó auténticos regalos para la vista a los amantes de su amada stop-motion, recordemos que es amigo íntimo del gran Ray Harryhausen (ahí es nada). En la cinta de los Blues Brothers, de hecho, se incluyó una breve pero muy lograda secuencia de stop-motion de un esqueleto montado sobre su también esquelético caballo que intenta cazar unas reses, también esqueléticas. Por desgracia no conozco el artista detrás de esta animación... (help! I need somebody...)





Las fotos del puppet, que han motivado la entrada, salen de yourprops.com, una página de coleccionismo de cine.

sábado, 2 de marzo de 2013

Doggy Poo (Corea del Sur, Kwon Oh-sung, 2003)


¿Una historia protagonizada por una mierda de perro? Sí amigos, el stop-motion esta para todo aquello que os pudiera parecer imposible.

Desde Corea del Sur y de la mano del director Kwon Oh-sung llega esta historia, basada en un libro infantil de 1968, donde tiene protagonismo la caca más adorable que el cine ha dado a luz. A muchos ya os auguro que va a hacer que se os ablande el corazón, así que coger vuestra tarrina de helado y disfrutar de este mágico mediometraje.