INVOCATION (Robert Morgan, Reino Unido, 2014)

El proceso detrás de la animación stop-motion desde la perspectiva de Robert Morgan es absolutamente delirante, y genial. Vísceras y un bonito oso de peluche, sangre y una cámara bolex, terror y mucho entretenimiento. Seguro que no os arrepentís de verlo:

Por cierto estamos preparando una entrevista con este gran realizador y nos molaría que nos pasaseis las preguntas que creáis son interesantes para que se las traslademos. Podéis hacerlo comentando en esta entrada. Mil gracias!!

Randy Cook. Dando vida a las criaturas de Hollywood y la serie B.

N

Randall "Randy" William Cook nació en 1951 en West Palm Beach, Florida, y en 1954 se trasladó con su madre y su hermana a vivir con sus abuelos en California. Sus más tempranas influencias vinieron del mundo del arte (sobre todo de los artistas Mort Drucker y Jack Davis, cuyos trabajo de caricatura aparecían asiduamente en la Mad Magazine), la televisión (The Adventures of Superman se estrenó el año que nació, y además era fan de estrellas como Dick Van Dyke, Jonathan Winters, y Enrie Kovacks), y por supuesto las películas. Randy recuerda que su primera experiencia con el cine fue a los dieciocho meses de edad, cuando su madre le llevó a ver Lili (Charles Walters, 1953), en la que Leslie Caron cantaba acompañado de varias marionetas. Aquello entró en su subconsciente de manera directa y guió a Randy hacia donde hoy todos sabemos. La primera cinta de stop-motion con la que tuvo contacto fue Lost Continent (1951), que aun no siendo un clásico del género hizo aflorar la curiosidad de un joven Cook hacia el cómo estaban realizadas las animaciones de los dinosaurios que poblaban la pantalla. Otro momento cumbre tuvo lugar cuando cumplió los siete años y su abuelo le llevó a ver Simbad y la Princesa (The 7th Voyage of Sinbad, Nathan Duran, 1958) a la sala de cine de Livermore. Aquel espectáculo visual realizado por Ray Harryhausen se convirtió en una revelación irresistible, tanto, que acudió al cine a verla de nuevo otras tres veces a lo largo de la siguiente semana.

Randy junto al esquelo original del cíclope de Simbad y la Princesa, al menos con lo que queda de él.

Cook tenía once años cuando realizó su primera animación con arcilla, unas sencillas y pequeñas esferas que se movían e iban transformando su forma. Al tiempo se hizo con un articulado maniquí de artista al que pronto cubrió con arcilla para darle el aspecto de una momia, una momia gigante de hecho. Todas estas prueba le sirvieron más para adquirir conocimientos sobre la técnica que para tratar de contar una historia, no eran más que pura diversión mediante animación stop-motion. A su llegada al instituto, Randy siguió realizando películas de trucajes, pero también empezó a mostrar interés por los dibujos animados así como por escribir en el periódico estudiantil, e incluso por actuar en las obras de teatro que se daban lugar en el centro, en las que trataba de integrar siempre que podía maquillajes cada vez más elaborados.

Se graduó en Castro Valley High School en 1969. Como estudiante desarrolló interés en el arte, pero soñaba con convertirse en actor o cineasta especializado en comedia o fantasía. Se matriculó en producción en la escuela californiana de cine, teatro y televisión UCLA, donde se graduó en 1975 con un film que no dejó a nadie indiferente por su sátira hacia la pomposidad y lo políticamente correctas que se hacían las películas en aquella facultad de cine. A su salida de la escuela, y tras ser recomendado por el director de animación Bob Clampett, quien hubiera sido responsable nada menos que de los Looney Tunes, Randy realizó un programa de entrenamiento en el campo de la animación en Walt Disney Studios, donde estudió bajo la tutela de Eric Larson, además de conseguir meter sus talentosas manos como artista de storyboard para la película Herbie en el Gran Premio de Monte Carlo (Herbie goes to Monte Carlo, Vincent McEveety, 1977).

Por aquello años conoció al gran animador David Allen, quien ya había demostrado su innato talento en películas como When Dinosaurs Ruled the Earth o Flesh Gordon, y por sus similares gustos se convirtieron inmediatamente en buenos amigos. Entre 1975 y 1976 colaboraron en los primeros esbozos de The Primevals, la gran obra inconclusa de Allen, y cuando Cook dejó Disney fue Dave quien le consiguió trabajo en Cascade Pictures.

El primer trabajo profesional de animación en Cascade, junto a David Snipes, fue dar vida a una pelota de tenis para una anuncio de televisión. Randy recuerda que la labor de animación fue tan simple que no pudo siquiera aplicar los principios de la Disney, aquellos creados por los 12 Old Men y que hoy son pieza angular en la animación en cualquiera de sus vertientes. Durante su estancia en Cascade, Cook tuvo contacto con otros grandes artistas, incluido el animador de dibujos animados Tex Avery. A la vez que trabajaba a tiempo completo en Cascade, desarrolló parte del trabajo de animación del largometraje The Crater Lake Monster (William R. Stromberg, 1977) coordinándose con el propio David Allen, este animando de noche y aquel por el día. Por desgracia su trabajo no apareció acreditado en los títulos de la cinta, pero sin embargo esta experiencia le permitió trabajar cerca no solo de Alllen, sino también de Phil Tippett, Jon Berg e incluso Jim Danforth. 

Su siguiente proyecto en el que se vio involucrado fue The Day Time Ended (John 'Bud' Cardos, 1979) para el que realizó el trabajo de dar vida a las estrellas animadas de fuerte tendencia a la destrucción tanto propia como ajena. La animación de los puppets, creados por las manos de Lyle Conway y desarrollada en el David Allen Studio, fue desarrollada por Allen, para las secuencias de un pequeño y fosforescente alien, y Cook para las secuencias de las dos grandes y agresivas bestias, mientras todas las secuencias stop-motion eran supervisadas por Paul Gentry.

Randy animando una épica lucha entre dos alienígenas gigantes. Sin duda, lo mejor de la peli.

Mientras trabajaba en el estudio de Dave se involucró en El rayo destructor del planeta desconocido (Laserblast, Michael Rae, 1978), película de ciencia ficción de bajo presupuesto producida por Charles Band bajo el sello Empire Pictures, en la que un par de alienígenas de escamoso aspecto, muy cercano a tortugas sin caparazón, creaban cierto caos en la Tierra con un rayo de la muerte. El diseño de los aliens corrió a cargo de Allen y Jon Berg, siendo este último el encargado de darles volumen, mientras que la animación recayó casi por completo a la espalda de Randall.

A continuación Cook entró a formar parte del equipo de efectos especiales de Cavernícola (Caveman, Carl Gottlieb, 1981), la comedia prehistórica protagonizada por Ringo Star para la que creó varios de los dinosaurios, incluido el pterodáctilo, para cuya armadura alada utilizó una creada por el mismísimo Willis O’Brien para los test de animación que hizo para Creation, uno de los proyectos que Obie nunca pudo finalizar. Además realizó parte del trabajo de animación: el vuelo del pterodáctilo, las secuencias del tiranosaurio drogado, y unas en las que hacían acto de presencia un triceratops y un braquiosaurio, pero que desgraciadamente fueron eliminadas del montaje final. 

Para el proyecto de bajo presupuesto Q, La Serpiente Voladura (Q, The winged Serpent, Larry Cohen, 1982), Cook diseñó a la criatura alada, manipuló a la marioneta que hacía las veces de la recién nacida cría, y animó junto a Allen a la criatura que da nombre a la cinta y que aterroriza a la población de Nueva York. 

Su siguiente desafío fue La Cosa (The Thing, John Carpenter, 1982), remake del clásico de 1951 dirigido por Christian Nyby. En los créditos finales le encontramos bajo en apartado de Dimensional Animation Effects, aunque de las cinco escenas animación del monstruo alienígena que hizo solo sobrevivieron dos breves planos a la criba final dado que, según Carpenter, las secuencias no encajaban bien con aquellas del monstruo filmadas en imagen real, en las que la criatura es un complejo animatronic.

De nuevo como responsable de la animación dimensional en Cazafantasmas (Ghostbusters, Ivan Reitman, 1984), Randy animó a los Terror Dogs, los perros del infierno que buscan desesperadamente al Maestro de las Llaves, y que aterraban a los espectadores de menor edad por sus cuernos y ojos marcados en sangre. Estas criaturas fueron realizadas por Cook sobre unos esqueletos metálicos creados por Doug Beswick. La animación de Cook brilla con luz propia en esta cinta en la que se ha convertido por derecho propio en una de las mejores de los ochenta. En el mismo año, nuestro protagonista proporcionó movimiento a una sonda espacial y a un grupo de astronautas en el espacio, para 2010, la secuela de la mítica obra de Kubrick.

Randy Cook animando a los Terror Dogs, mientras Jim Aupperle supervisa la iluminación de la escena animada.

En 1987 con La Puerta (The Gate, Tibor Takács), Cook realizaría uno de los trabajos más impresionantes de su carrera. Actuando como supervisor de efectos visuales, realizó perspectivas forzadas, uso de pantalla azul, rotoscopia y animación stop-motion. La estrella de la cinta, el Señor de los Demonios, una bestia creada y diseñada por Randy, de enorme tamaño, seis brazos, dos tentáculos y una cabeza cercana a la de un lagarto, sigue siendo a día de hoy un gran monstruo dado vida mediante la técnica del paso de manivela. Tras el éxito de la cinta, Randy repitió en La Puerta 2 (The Gate II, Tibor Takács, 1990), en la que junto a Steve Archer animó a varios humanos y a otro demonio.

Randall empezó a ganar cierta reputación y era llamado para hacer secuencias animadas de gran calidad para producciones de bajo presupuesto. Así en Lecturas Diabólicas (I, Madman [aka Hardcover], Tibor Takács, 1989), un film bastante desconocido hoy día, Cook realizó el diseño y la animación del Chico Chacal, e incluso interpretó al villano de la historia aplicándose sobre su rostro hasta cuatro horrendos maquillajes distintos. 

En los noventa volvió a los David Allen Studios para echar una mano a su amigo Dave en diferentes escenas de animación. En La Venganza de los Muñecos (Puppet Master III, David DeCoteau, 1993) en una secuencia de animación para dos, en la que un pistolero de seis brazos se gira rápidamente y lanza un lazo a un nazi que intenta atacar a su creador, André Toulon. Para la saga de muñecos diabólicos, también colaboró en Puppet Master IV animando varias de las escenas de los malvados aliens llamados Totems. Sin embargo el trabajo que recuerda con más cariño de esta época es el realizado para los títulos iniciales de la comedia de mafia interpretada por Silverster Stallone y dirigida por John Landis, Oscar, quita las manos (Oscar, 1991). Para este trabajo, Cook, Allen y Justin Kohn animaron en turnos de 8 horas al día a un pequeño muñeco de aspecto italiano, con cierta reminiscencia a los puppetoon de George Pal, que cantaba el Largo al Factotum de la ópera de El Barbero de Sevilla.

Cook animando al pequeño puppet de los créditos iniciales de Oscas, Quita las manos.

Con la llegada de Parque Jurásico (Jurassic Park, Steven Spielberg) en 1993 llegó la hecatombe que todos hoy conocemos para los efectos visuales tradicionales. Con los dinosaurios, la stop-motion integrada en películas de corte fantástico en las que conviven los seres animados fotograma a fotograma con personas de carne y hueso había llegado a su extinción, dejando el testigo a los nuevos y flagrantes avances de la Imagen Generada por Ordenador. Randy ante tal panorama dio un giro a su carrera y pronto se puso a eso de la animación con teclado, ratón y pantalla. Así en Demon in a Bottle (Randall William Cook, 1996) realizó la animación de un demonio al que le incluyó incluso sincronización labial. Un trabajo tosco pero efectivo en cuanto a tiempo invertido y resultado proporcionado, pero que abrió la brecha de la creación de efectos por ordenador incluso en las películas de serie B. Además, gracias a este trabajo, Randy fue reclutado por Peter Jackson para que, desde Weta Digital, se encargará de los efectos visuales de un trilogía de hobbits, enanos, elfos y nazgûls, que le proporcionaría a Randy la triada de Oscars que actualmente decoran su salón.

Randy Cook y Jim Rygiel con sus respectivos Oscars de la Academia por su trabajo en los efectos especiales de El Señor de los Anillos: Las Dos Torres (2003).

KOKI Y CAPELITO EN DVD

Koki y Capelito, dos de las series stop-motion españolas más importantes de todos los tiempos, sobretodo en Cataluña gracias a TV3, dieron el salto hace un tiempo al formato DVD aunque es ahora cuando, a través de sus respectivas cuentas de facebook y páginas web (se adjuntan los enlaces al final de la entrada), se están promocionando de manera más contundente.

"La vida de una niña en edad preescolar como Koki no es nada simple, sobre todo porque es un pollo: Koki y su entrañable familia hablan en un idioma muy particular: sólo emiten una serie de extraños sonidos, sin sentido aparente, pero que conectan directamente con el universo de los más pequeños. En la línea de Pingu, una fantástica serie de animación de figuras de plastilina."

"Capelito es un trabajo poco corriente, ya que combina todas las posibilidades de transformación de la animación con plastilina con personajes encantadores y paisajes fáciles de identificar. La serie ha sido aplaudida en todas partes, y ha ganado 18 premios internacionales, incluyendo el premio del Annecy Film Festival y el de las Naciones Unidas.Aunque Capelito y sus amigos nunca hablan, los jóvenes espectadores toman rápidamente el hilo de sus historias a medida que se desarrolla la trama de manera sorprendente y, con frecuencia, cómica."

Podéis haceros con los 2 Dvds que componen la totalidad de la serie (26 capítulos) creada por Roser Capdevila, Koki, así como con los 4 Dvds con todos los episodios (52) de la serie creada por Rodolfo Pastor, Capelito, pinchando en los siguientes enlaces:

http://www.es.kokifunclub.com/
https://www.facebook.com/KokiFunClub?ref=ts&fref=ts

http://capelito.tv/?page_id=16
https://www.facebook.com/pages/CAPELITO/135905453222396

STOPMOTIA entrevista a MERCEDES GASPAR (12/09/2011)

Hace un par de años, STOPMOTIA estaba en su pleno auge de entrevistas. Mes a mes conseguíamos encontrarnos con algún master de nuestra amada técnica y le abordábamos con una batería de preguntas que entre todos los miembros del grupo preparábamos. Por supuesto, el entrevistado siempre agradecía este gesto de cariño y admiración.

Aún quedan algunas entrevistas en el tintero, pero poco a poco nos llega un aviso de que alguna de estas cuentas pendientes ha sido cerrada. Esta semana nos avisaron que el vídeo del encuentro con Mercedes Gaspar, que filmamos en septiembre de hace un par de años, estaba listo para ser consumido.

Mercedes Gaspar es Licenciada en Ciencias de la Comunicación y en Geografía e Historia, ha trabajado en TVE, y ha sido profesora en diversas instituciones y universidades. Ha dirigido teatro y escribe poesía y cuento. Directora y guionista, fue galardonada con un Goya en 1995 y nominada nuevamente en 1996 y 1997.

Estamos muy contentos con como ha quedado el vídeo, pues, aparte de ser muy interesante lo que Mercedes nos transmitió, se ha hecho una gran labor de edición y montaje. Consiguiendo finalmente una pieza audiovisual atemporal. Ole! 

Esperamos que vosotros también la disfrutéis:

ENTREVISTA CON JIŘÍ BARTA. Pasado, presente y futuro de la animación checa.

Con motivo del homenaje que le han preparado en conjunto La Semana de Cine Experimental de Madrid y el Centro Checo de Madrid, Jiří Barta aterrizó ayer en la capital del reino trayendo consigo su último trabajo Yuki Onna, un acercamiento checo al folclore japonés. Toma jeroma!

Nosotros somos seguidores del trabajo de Barta desde hace tiempo, y nos consideremos grandes fans de su versión de El Flautista de Hamelín (Krysař, 1986), así como de su último largometraje: Aventuras en el Desván ¿Quién cumple años hoy? (Na půdě aneb Kdo má dneska narozeniny?, 2009), una especie de Toy Story realizada con muñecos reales y con gracietas al más puro estilo Europa del Este.

Por ello, no pudimos resistirnos a coger la cámara, el móvil/grabadora, y toda nuestra ilusión, para acercarnos a conocer a este simpático abuelete de 64 años que sigue jugando con muñecos vintage. Así, nos plantamos delante del maestro con la siguiente batería de preguntas que muy amablemente nos contestó. ¡Un gran tipo este Barta!

Has venido a Madrid para que disfrutemos de tu último trabajo: La mujer de la nieve (Yuki Onna, 2013), ¿qué puedes contarnos de este cortometraje?

Se trata de un trabajo de encargo que vino desde Japón. Me pidieron que adaptara uno de los muchos relatos sobre su folclore popular que escribió el griego nacionalizado japonés Lafcadio Hearn. Indagué en su trabajo y me quedé con Yuki Onna que fue el que más me fascinó.

¿Te consideras gran conocedor de la cultura oriental?

La verdad es que conocía y admiraba la cultura del lejano oriente lo mismo que puede conocerla cualquiera. Siempre es algo muy evocador. Sin embargo, para llevar a cabo este trabajo me documenté mucho sobre la cultura del sol naciente. Quería que fuese un trabajo que entroncara de lleno con el folclore japonés, sobretodo en cuanto a la estética, pero que a la vez se reconociera que estaba hecho por un checo y que de algún modo encajara con el resto de mi filmografía.

Durante tu vida profesional has trabajado con actores reales, animación por ordenador y, por supuesto, stop-motion. ¿Con qué técnica te encuentras más cómodo y por qué?

Es durante el proceso de elaboración del guión cuando decido con que técnica voy a trabajar. La técnica viene condicionada a la historia que quiero contar y a la estética con la que quiero que se plasme en la pantalla, nunca al contrario.

¿Qué supuso trabajar desde tus inicios con alguien tan potente a nivel internacional en el mundo de animación con muñecos como fue Jiří Trnka?

Trnka es la máxima expresión de la pureza y la limpieza en el cine de animación con muñecos. Su trabajo previo como ilustrador de cuentos infantiles sin duda marcó de manera excepcional su forma de concebir la animación.

Recuerdo la etapa de trabajo en el estudio de Trnka con mucho cariño. 

¿En qué crees que se diferencian las animaciones de tu generación de las creadas por Trnka y el resto de sus coetáneos?

Tras la primera generación de animadores checos, con un trabajo más purista y bien acabado, en la que se enmarcan tanto Jiří Trnka como Hermína Týrlová o Stanislas Látal, se encuentra una segunda, formada por ilustres como Jan Švankmajer, Jan Karpaš o Břetislav Pojar, e incluso una tercera, en la que ya se encaja mi filmografía.

Las "nuevas" generaciones tomamos los consejos y la técnica que Trnka nos enseño a través de sus obras, pero no nos dedicamos a perpetuar de manera fiel su visión de la animación, cada uno teníamos nuestras ideas de como debíamos utilizar la técnica. Y eso fue lo que hicimos.

Aventuras en el Desván nos parece una gran película familiar de personajes creados mediante stop-motion, sin embargo su estreno en España fue muy minoritario (un estreno en 3 ó 4 salas de cine y una duración de un par de semanas en cartelera). ¿Qué acogida tienen este tipo de películas en tu país?

Estuve presente el día de la premier de la película en Praga, día en que también se inauguró una exposición sobre el arte detrás del largometraje. Creo que fue una genial idea, pues daba al público una buena aproximación del trabajo que hay que realizar para llegar a finalizar de este tipo de películas.

La cinta en la República Checa fue un éxito, sobretodo entre los más pequeños. Aun me siguen llegando cartas con dibujos de mis pequeños admiradores diciendo lo mucho que les gustó la película. Sin embargo, creo que tiene muchos detalles que hace que sea disfrutable también por el público adulto.

Las últimas noticias nos indican que la situación actual para la industria de la animación en la República Checa no está en su mejor momento debido a la poca financiación que recibe del estado, ¿es por eso que se tiende cada vez más a realizar producciones en ordenador (más baratas y rápidas) en decremento de las realizadas mediante stop-motion? [Pregunta que nos propuso Wolfgang Matz]

Ciertamente el tema del uso de la animación generada por ordenador es a día de hoy un importante argumento para asegurar que la película sea un éxito comercial. Al ver el trailer de animación por ordenador en las televisiones, gran parte de los niños acudirán a ver la película al cine con sus padres. Y, no nos engañemos, eso es lo que quieren las productoras de cine. 

Yo intento alejarme lo máximo posible de esta imposición. Prefiero ser más libre.

¿Como encaja ese argumento con el hecho de que tu cortometraje Domečku Vař! (2007) está realizado íntegramente mediante animación computerizada?

Si en Domečku utilicé la animación por ordenador fue porque desde el primer momento consideré que era la técnica apropiada para la obra, y no al revés como establecen las productoras.

En tus producciones, ¿qué importancia tienen elaboración-construcción de los elementos y a la estética de estos? [Pregunta que nos propuso Edgardo Trejo]

Una importancia capital. Date cuenta que yo me formé como artísta plástico y por lo tanto el diseño de los personajes y los escenarios es siempre un apartado al que dedico mucho tiempo. Tiempo que utilizó para dar vueltas al guión y al storyboard al mismo tiempo, va todo de la mano.

¿Cuáles dirías que son los 10 artistas clave del cine de animación?

• Yuriy Norshteyn.
• Priit Pärn.
• Zbigniew Rybczyński
• Jerzy Kucia
• Hemanos Quay.
• Michael Dudok.
• Jan Švankmajer.
• Garri Bardin
• George Schwitzgebel.
• Nick Park.

¿Cuál es la película de tu filmografía con la que te sientes más satisfecho?

[risas] Es una pregunta difícil. Como creador de las obras no puedo ser objetivo. Al menos no del modo en que lo puede ser un espectador. Conozco los fallos de todos mis trabajos y eso no me deja apreciarlos en su conjunto, por ello no suelo ver mis películas una vez acabadas. Lo intento evitar. De hecho, odio cuando me invitan a festivales y tengo que quedarme a ver mis propias películas con el público. Estoy constantemente esperando el fallo que inevitablemente llega, dado que ha quedado impreso en la película para la posteridad.

Sin embargo, si me dijeran que tengo que elegir una y solo una de mis obras, elegiría Domečku Vař!. El público y la crítica no aprecia mucho este trabajo, pero a mi me gusta mucho como nos quedó.

¿Tienes alguna relación con el músico violoncelista homónimo? [Pregunta que nos propuso Edgardo Trejo]

No [risas]

¿Ha contribuido el desarrollo de la tecnología para facilitar la producción de nuevos proyectos en stop motion? [Pregunta que nos propuso Christian Bermejo / Tweenbox]

Desde luego. Ahora es todo mucho más fácil que cuando empecé. Las nuevas cámaras permiten obtener una imagen digital de una calidad perfecta. Asimismo, los programas de edición, sonido, etc... permiten una precisión y unos resultados mucho mejores. Además, lo bueno es que una vez terminado, el producto final puede ser presentado en 35 mm, que es como a mi me gusta.

¿Has considerado nuevos mecanismos de difusión y distribución, como Youtube o crowdfunding, como una posibilidad realista para continuar con su trabajo de autor? [Pregunta que nos propuso Christian Bermejo / Tweenbox]

Sin duda Youtube es un arma estupenda para la difusión. Me parece uno de los medios más idóneos para difundir un trabajo, sobretodo mediante trailers. Sin embargo no lo utilizo.

En cuanto al crowdfunding, he oído algo de ello. Sin embargo no estoy interesado en este sistema de financiación. No me parece del todo apropiado pedirle dinero a una gente, que va a esperar algo de ti y que es probable que, una vez terminado, el resultado no se adapte a esas iniciales expectativas por las que habían depositado parte de sus ahorros. Creo que sigue siendo mejor conseguir un productor. Es posible que sea un mecanismo de producción demasiado moderno para mi.

El Golem es un proyecto que tienes pendiente desde hace más de 20 años. En los noventa no paso de un genial teaser que buscaba a toda costa conseguir la financiación adecuada que te permitiera convertirlo en un largometraje. ¿Retomarás algún día este trabajo para lograr por fin terminarlo?

No he parado de trabajar en este proyecto desde que empezara a idearlo a principios de los 90. Esta pasada primavera terminé una nueva versión del guión. La décimo quinta. Sin embargo, sigo sin encontrar una productora que se atreva a llevarlo a cabo. Creo que piensan que la animación es una técnica para niños, y que una historia como El Golem no encaja demasiado con ese público ni con la propuesta visual que yo quiero ofrecer.

Esta entrada no hubiera sido posible sin la inestimable ayuda de la intérprete del Centro Checo de Madrid, Iveta Gonzálezová, ni sin las labores de coordinación de Mercedes Martínez Albesa. Gracias por conseguirnos una entrevista fuera del horario marcado ;)

[Visto en 3D WIRE 2013] Butterflies (Isabel Peppard, Australia, 2012)

Uno de esos cortos que se nos estaban resistiendo desde hace meses era este de Isabel Peppard. Se trata de una magnífica obra de animación en la que a través de personajes feístas se nos muestra un nefasto mundo industrializado en el nuestra protagonista, una artista vagabunda con gran dote para dibujar extrañas mariposas, se verá obligada a entrar, quedarse y alinearse. Pero, ¿querrá la artista permanecer anclada a tal presión y carencia de felicidad?

Os dejamos con el trailer, y nuestra recomendación a que os paséis por los enlaces que adjuntamos, pues os aportarán mucha información adicional que, a buen seguro, será de vuestro agrado:

Página Oficial: http://www.butterfliesanimation.com/
Butterflies en facebook: https://www.facebook.com/butterfliesanimation
Butterflies en el blog de DragonFrame: http://www.dragonframe.com/blog/2013/03/peppard-butterflies/

EL RUIDO DEL MUNDO, entrevista a Coke Rioboo

Hace unas semanas, quizás algún mes, Coke Rioboo terminó el que es hasta la fecha su último trabajo, El Ruido del Mundo, una pieza necesaria para conocer mejor a este artista madrileño que además resulta ser un regalo para la vista y una experiencia concienciadora.

El cortometraje narra la historia de Héctor, un compositor que sufre un extraño y agobiante mal: puede escuchar todos los ruidos del mundo de manera simultánea. 

A través de la música tratará de encontrar una cura a su desesperación.

En Puppets & Clay somos fans del trabajo de Coke desde que nos sorprendiera a todos con El Viaje de Said, un cortometraje galardonado con el Goya, por ello es todo un honor que nos haya concedido la presente entrevista.

Entre El Viaje de Said (2006) y El Ruido del Mundo (2013) han pasado 7 años, ¿qué ha estado haciendo Coke durante ese tiempo? 

Pues, han sucedido muchas cosas en estos años, la más importante que fui papa, y eso me paralizó a nivel creativo durante 2 años, que los dedique a disfrutar de mi hija y mi familia al cien por cien. Trabaje para algunos comerciales para televisión y sobre todo he estado dando cursos y talleres de animación por todo el mundo, India, Senegal, Marruecos, Guinea Ecuatorial, México, Venezuela, Irán, Egipto y España, por supuesto. Enseñar animación es algo que me apasiona, descubro nuevas maneras de contar, de expresar, y creo que es una herramienta maravillosa con la que los chavales y no tan chavales pueden utilizar para hablar de las cosas que les preocupan o les interesan. 

Después de un tiempo de reflexión y de búsqueda de nuevas técnicas de animación, decidí ponerme a trabajar en un nuevo proyecto, y me ha costado casi 3 años encontrar una historia que sintiera que de verdad merecía la pena invertir 3 años de trabajo para contarla.

¿Es este corto en cierto punto autobiográfico? 

Tiene una parte bastante autobiográfica, el personaje es músico y compositor, tiene un mal de oído, y le atormenta lo que sucede a su alrededor. Son cosas que compartimos. 

Cuando uno no sabe que contar, busca y busca, y al final, lo fácil es acabar hablando de uno mismo, aunque he tratado de transformarlo, tamizarlo para que no fuese tan evidente.

¿Podrías explicarnos todo lo que lleva detrás cada uno de los movimientos milimétricos de El Ruido del Mundo? 

Es una técnica bastante común pero hecha de una manera muy poco común, me explico: trabajar con un cristal iluminado y la cámara en alto, se usa mucho con arena y pintura al óleo, pero todavía no he encontrado a nadie que use plastilina para esta técnica, esto me permite trabajar a ratos, dejar un plano a medias y continuar uno o dos días después, incluso un mes después, pues este corto, ha sido gestado en noches y noches sin dormir, rascándole horas a la semana, y buscando los huecos que me dejaba mis otras ocupaciones. 

Dependiendo del tipo de plano, estoy entre 15 minutos y una hora dibujando sobre la plastilina, para realizar cada foto, saqué una media aproximada de 30 segundos al mes, después de mas de 3 años de rodaje.

¿De dónde sacaste las referencias para los movimientos de cámara? 

Algunos movimientos de cámara están hechos a pelo, improvisando cada fotograma, pero para los más difíciles tenia unas películas 3D de referencia, hechas por un gran artista del 3D que se llama Álvaro Granados. 

Me ha costado mucho dar movimiento y profundidad a cada plano, pues venia de la animación con muñecos, y esto es una especie de 2D en directo, he tenido que cambiar mi forma de pensar en la animación y adaptarlo a esta técnica.

¿Cuál fue la escena que te trajo de cabeza y por qué? 

Pues sin duda el plano de la escalera que se convierte en oreja y acaba en un cenital de toda la ciudad, antes del titulo de la película. Para este plano tenia una referencia 3D, pero en la parte de la ciudad, estaba alrededor de una hora y media o dos horas con cada foto, esto consiguió desesperarme de tal manera que tuve que dejar de animar durante 2 meses, pensé que no iba a ser capaz de acabar el corto, que lo dejaría aparcado un par de años, pero al final, saqué fuerzas acabe ese maldito plano y seguí animando el resto del corto hasta el final.

¿Qué personas han estado detrás tuya desde que comenzaste esta aventura hasta el final? 

La mas importante, Lourdes Villagómez, productora de corto y mi pareja, ha aguantado mis desvaríos, mis cambios de humor, mis inseguridades, de una manera heroica y ha aportado muchas ideas de animación a la película. También muy importante la aportación de Sergio Catá, co-guionista, montador, y colaborador habitual en todos mis trabajos, sin el, la historia no tendría tanta importancia como tiene. 

Los chicos de USER T-38 con la posproducción también ayudaron mucho, y en general toda la gente que me rodea, que desde el principio estuvieron muy pendientes y me dieron mucho animo demostrando su interés por el proyecto.

Una vez acabado, después de tantos años de trabajo verás partes de las que te sientes muy orgulloso y otras en que lo estás un poco menos, ¿cuales son y por qué? 

Las primeras veces que ves el corto, siempre estas mas pendiente de sacarle los defectos, de ver en que sitios te has quedado corto, de lo que ha fallado, pero al final dejas de verlo así y lo ves como lo que fuiste capaz de hacer en ese momento con los medios y la energía que tenías. 

Ya he aprendido a no machacarme con esto, y a disfrutar del trabajo propio, lo mejor que se puede hacer es aceptar los errores, y tratar de mejorar para el siguiente trabajo. 

Algo si que creo que hice mal, y es el haber podido dedicar poco tiempo a la composición y grabación de la música, me hubiese gustado tener mas tiempo y energía, y sobre todo más presupuesto para esta parte del trabajo.

¿Cómo está funcionando el corto en los festivales?, ¿y entre los coleguillas a los que se lo pones? 

Esta funcionando bastante bien, sobre todo me sorprende que funciona mucho en festivales en los que compite con cortos de ficción, creo que a la gente le llega el mensaje. 

No es un corto agradable, soy consciente de que es a ratos, muy intenso e impactante, pero es la manera que encontré de contar que estamos rodeados de miserias humanas y muchas veces, nos resbala y no nos afecta en absoluto, seguimos viviendo en nuestra burbuja tranquilamente, eso si, mientras dure.

Había ideas para dar más vida al proyecto después del propio corto, como cómics, venta de originales, exposiciones, etc... ¿Cómo llevas este tema? 

Tenía intención de hacer un cómic, con todo lo que se me quedo por contar de la historia, pues la tenia mucho mas desarrollada, con los personajes de la orquesta y la infancia de Héctor, el personaje principal, pero de momento lo he dejado aparcado, pues necesito un respiro, y hacer cosas nuevas que me refresquen un poco, han sido casi 4 años de “El ruido del mundo”. 

Lo de la exposición esta pendiente de encontrar algún patrocinio, creo que es un proyecto muy bonito, el poder ver todo el proceso integrado en una muestra, poder tocar las planchas y entender la técnica en directo, pero montar todas las planchas que tengo guardadas en cajas de luz, cuesta bastante dinero, y espacio para almacenar, en cuanto haya alguien interesado, lo sacaremos adelante.

Cuando se acabe el vivir errante disfrutando de la presencia del corto en festivales (algo que espero que dure mucho), ¿tienes pensando cual va a ser tu próximo reto? ¿tendrás el valor de volver a animar plastilina sobre cristal? 

Ahora mismo no quiero pensar mucho en nuevos proyectos, como siempre, me costará encontrar un tema del que merezca la pena hablar por medio de la animación. 

Tengo ganas de trabajar con recortables, de una manera sencilla y rápida, encontrar una manera de animar que sea mas inmediata, pero como dices, ahora es momento de disfrutar viajando y conociendo gente interesante en los festivales.

The Bear & The Hare, el genial anuncio de John Lewis

Hay anuncios que rompen las técnicas, aportan frescura al medio dando una vuelta de tuerca que parece imposible, hacen que nos volvamos a plantear dudas como el cómo se han hecho y desde luego alteran nuestros sistemas... luego está este genial anuncio y su making of, que es algo así como increíble. Pasen y disfruten de la navidad:

[Visto en 3D WIRE 2013] Rabbit and Deer (Péter Vácz; Hungría; 2013)

El trabajo más galardonado en la pasada edición del Mercado 3D Wire fue Rabbit and Deer, un trabajo que combina de manera magistral la animación 2d con el stop-motion todo recogido en un aura de simpleza absoluta pero que funciona a las mil maravillas.

Rabbit (Conejo) y Deer (Ciervo) viven felices y sin preocupaciones hasta que su amistad es puesta a prueba debido a la nueva obsesión de Deer: encontrar la fórmula de la tercera dimensión. Tras un inexperado accidente, Deer se encuentra en un nuevo mundo, completamente desconocido para él. Separados por las dimensiones, los dos protagonistas tendrán que encontrar la manera de llegar el uno al otro.

Un trabajo más que recomendable para pasar un buen rato, pues recoge como pocos la esencia tierna del stop-motion. Un auténtico regalo para la vista que no hace más que triunfar internacionalmente por cada festival por el que pasa, algo de lo que nos alegramos.

Web oficial: http://www.rabbitanddeer.com/

Facebook: https://www.facebook.com/RabbitAndDeer?fref=ts

El STOP-MOTION lo peta en el 3D WIRE 2013

El pasado fin de semana nos dejamos caer por ese festival/mercado español que tan bien nos acoge y al que tratamos de acudir siempre que podemos, el 3D Wire. El festival segoviano centrado en Animación, Videojuegos y New Media cumplía esta pasada semana su quinta edición con mayor afluencia de público y mejores, si cabe, trabajos en la palestra.

El stop-motion, como viene siendo una constante, tuvo una importante presencia en el evento. Por un lado la batalla de animadores estuvo más copada que nunca, con 7 equipos inscritos, aunque por ciertas razones al final solo pudieron participar 5, tal como nos comentó el siempre atento Adri Piqueras, quien organizaba todo el cotarro cámara en mano y pen-drive en cuello. Las obras finales que salieron de la maratoniana jornada animada hicieron las delicias de los asistentes a la gala de premios, que año tras año ven como los proyectos se superan tanto técnica como narrativamente. Los ganadores de la batalla de este año fueron el equipo Box Marley, que con su 'La caja y la tierra' nos hicieron tomar consciencia de la dura vida de las cajas salvajes.

Y ya que entramos en premios, comentar que El Ruido del Mundo de Coke Rioboo se llevó el del público en la categoría nacional, Rabbit and Deer del húngaro Péter Vácz se llevó tanto Premio del Público como el del Jurado en la categoría internacional, y Canis de Anna Solanas y Marc Riba (I+G Stop-motion) se alzó con una mención especial de jurado, compuesto entre otros grandes por Simon Jacobs, con quien acercamos posiciones y esperamos poder ofreceros una entrevista pronto en la que nos cuente los secretos de la fotografía en entornos en miniatura, espacio en el que se maneja como uno de los grandes maestros. Asimismo, destacamos que el Premio al Mejor Proyecto de Cortometraje recayó en Mascarura, el proyecto del monocalavera que Asís Merino y Manuel Molina andan dando forma y que puede seguirse a través de su blog oficial.

Asís Merino y Manuel Molina reciben el Premio al Mejor Proyecto de Cortometraje

[Fotos propiedad de 3D Wire e I+G Stop-Motion]

3D WIRE anuncia su tercera batalla de animadores

Esta semana se ha anunciado desde la web oficial del Mercado 3D Wire la tercera edición de la batalla de animadores, un evento en el que grupos de animadores compiten de forma maratoniana en la creación de un cortometraje, utilizando como técnica el stop-motion y como escenario las calles de la mítica ciudad de Segovia.

Tras la primera edición organizada por STOPMOTIA -de cuando estábamos metidos hasta la médula en este proyecto colaborativo- en la que Repaté nos dejó a todos con la boca desencajada con la genial pieza que crearon y por la que lograron un más que merecido primer premio, y tras continuar el año pasado con la organización corriendo por parte del propio festival -edición en la que participamos como jurado-, llega esta nueva sesión que ha sido organizada por Adrián Piqueras (A Pique Producciones), tío salao y agradable donde los haya, y 3D Wire. El Sr. Piqueras demostró su buen hacer el pasado año confeccionando, junto a buena parte de su familia, un corto que sacó la sonrisa a todo publico que pudo visionarlo, por lo que conociendo el tema desde dentro era una de las personas más ideales para organizar el nuevo combate por las calles de la ciudad del acueducto romano. Pero la cosa no ha quedado solo en eso, sino que se ha currado un anuncio realizado en animación dimensional y que ha sido el detonante para crear esta entrada. Dentro vídeo:

Teniendo contacto directo con Adri, le hemos pedido que nos contara su experiencia en la organización y creación de la pieza audiovisual que acabáis de ver, y de paso que nos compartiera algunas fotos de making.  La respuesta no ha podido ser más favorable. Ya os he dicho lo majo que es este hombre, ¿verdad?.

En primer lugar muchas gracias por compartir el vídeo en vuestro facebook y por la entrada en el blog. Para mí es todo un honor aparecer en el mismo y saber que hay personas que nos hacen estar al día en temas de animación stop-motion. Una vez más gracias!!!!

Storyboard comentado por el artista, Adrián Piqueras. ¿Qué nombre tan guay que es Adrián, no?

En cuanto a lo de cómo me sentía con este giro en los acontecimientos con respecto a "la Batalla", solo puedo decir que estoy más que orgulloso, y sobre todo agradecido, de que el equipo de 3D Wire me haya acogido entre sus filas. Para mí, tener la oportunidad de contar con un espacio como es el Mercado 3D Wire para animar (a los cubitos y a los participantes), y mostrar un poco de mi trabajo y el de los participantes en la competición... ¡Vamos! Ha sido (y será) toda una experiencia. Además contar con el asesoramiento, y el respaldo de auténticos profesionales de la animación y la postproducción como Alfonso Fulgencio y Jose Luis Farias entre otros, ya es un punto más que interesante; ya que normalmente uno trabaja solo y hace lo que puede con lo que tiene, y como cree que debe hacerse...con lo cual, muchas veces se puede caer en una especie de estancamiento a nivel de técnica y realización que no mola.

Expresiones de los cubos luchadores. Mortal Cubebat!

Ha sido todo un reto creativo, desde la creación del cartel y la idea general, hasta el rodaje y la postproducción; pero creo que el resultado final ha sido el esperado por todo el equipo. 

Tengo la increíble suerte de contar con su apoyo en todo lo que hago, y para mí poder devolverles el favor echando un cable en sus proyectos, es lo menos que uno podía hacer.

Ya lo pasé en grande en la edición anterior de "la Batalla" que organizaron el año pasado y estoy más que encantado de poder dar vida este año a la 3ª Edición. Espero estar a la altura de las expectativas y que los participantes, que por lo que he leído en las redes van a ser unos cuantos, disfruten tanto como lo hicimos nosotros.

Creo que eso es todo lo que puedo decir de este proyecto. A nivel técnico, pocas cositas a destacar que no se vea en las fotos que os pasamos. Si tienes alguna duda o quieres preguntar algo más...estaré pendiente para poder responderte de sumo agrado :)

Un abrazaco Y gracias one more time! (soy mu' pesao'...lo sé).

Bocetos preliminares

Proceso de postproducción.

Composición en After Effects para el cartel del evento.

Juan, el protagonista del cortometraje del mismo nombre en el que Adrián lleva trabajando más de un año se pregunta: "¿Cuándo estaré terminado? ¡Me duelen las articulaciones de mantener tanto tiempo la misma pose!"

STOP MOTION MEXICAN LOBBY CARDS (1º Parte)

Tras la entrevista a los chicos de Articula2 publicada ayer, de la cual hemos recibido críticas muy positivas de los lectores como denota el número de likes y shares en nuestro facebook, nos quedamos en el país de México para adentrarnos en el fascinante mundo de los Lobby Cards, también llamados carteles de vestíbulo o fotocromos. Aquellos cartones que decoraban los cines y hoy son objetos de coleccionista por su gran valor para la cinematografía, para la cultura y por ende para la sociedad en general. Geniales joyas que han perdurado ha través de las décadas incitándonos en más de una ocasión a entrar en la sala de cine pretendiendo ver algo que, finalmente, distaba bastante de la acción que parecían hacer ver esos cartones agujereados por chinchetas.

El escoger para esta entrada los venidos de México, no es baladí, pues estos tienen a día de hoy un aura especial por su gran valor artístico, de gusto siempre subjetivo, de intenso colorido y grandes dimensiones. Estos son solo algunos de los que hemos encontrado surfeando por la red, referentes a clásicos añejos del stop-motion. En próximas semanas incluiremos más, permaneced al acecho.

The 3 Worlds of Gulliver (Los Viajes de Gulliver):

7 Faces of Dr. Lao (Las 7 caras del Dr. Lao):

20 Million Miles to Earth (La Bestia de otro Planeta):

Animal World (El Mundo de los Animales / Dinosaurio):

The Beast of the Hollow Mountain (El Monstruo de la Montaña Hueca):